Luiza Brina - Prece (2024)

                                        
Luiza Brina é uma artista multifacetada, destacando-se como cantora, compositora e multi-instrumentista. Com uma voz delicada e uma habilidade musical ampla, ela tem raízes em Belo Horizonte e é uma presença marcante no cenário da música independente brasileira. Seu trabalho é uma fusão equilibrada de MPB, samba, jazz e folk, resultando em um som encantador e envolvente. Além de sua trajetória solo, Luiza é conhecida por suas colaborações frequentes com diversos artistas e bandas, onde contribui com sua sensibilidade e criatividade. Ela é vocalista, guitarrista e compositora da banda Graveola, além de também já ter feito parcerias com vários outros nomes da música como Ceumar, Arthur Nogueira, Chico Bernardes e Vovô Bebê, entre outros

Entre suas muitas qualidades, Luiza é altamente valorizada por sua habilidade de criar músicas que são tanto íntimas quanto universalmente impactantes. Suas composições têm o dom de captar a essência de vivências e sentimentos pessoais, ao mesmo tempo em que tocam temas que ressoam com um público variado. Essa capacidade de unir o pessoal ao coletivo confere a Luiza uma autenticidade e versatilidade musical notáveis, o que lhe garantiu uma boa base de admiradores.

Em Prece, seu álbum mais recente, ela mergulha em temas profundos e pessoais, convertendo suas introspecções em músicas que tocam profundamente o coração e a alma. As faixas do disco capturam sua jornada emocional e espiritual, oferecendo uma combinação de suavidade e intensidade. Com sua voz delicada e arranjos musicais bem acabados, Luiza cria uma atmosfera íntima, onde suas vivências e emoções são transmitidas de forma genuína e cativante. Prece se torna uma celebração da conexão humana e da busca por sentido, proporcionando ao ouvinte uma experiência musical que é ao mesmo tempo reflexiva e abrangente.

Cada detalhe do disco é tão suave e encantador, que dá a impressão de que, através da música, estamos nos ligando a algo além da nossa realidade cotidiana. É como se a música nos envolvesse em um abraço acolhedor e reconfortante, sussurrando em nosso ouvido que tudo vai ficar bem. A atmosfera de paz e meditação transmite uma profunda sensação de conforto e conexão sonora.

Através de cada uma de suas canções, a ideia parece ser a do ouvinte entrar em um espaço de contemplação e então poder encontrar consolo e esperança. Esse aspecto espiritual do disco é um de seus pontos mais fortes, criando uma experiência auditiva que é tanto curativa quanto inspiradora. Mostrando, por exemplo, em  "Oração 2" – que conta com a participação de Silvana Estrada -, que em momentos de vulnerabilidade, a necessidade de apoio torna-se evidente, indicando que apesar das incertezas, a busca pelo pertencimento e a conexão com algo além de si mesmo são fundamentais para a construção de uma vida com significado.

Em "Oração 18 (pra viver junto)", Luiza parece sugerir a importância de uma independência, porém, essa autossuficiência não significa isolamento, mas sim, um estado de autoconfiança e clareza sobre si mesmo e que facilita interações mais profundas e significativas. "Oração 13 (coração candongueiro)" parece soar como um consolo que é buscado na herança cultural africana, que por sua vez, é retratada como uma fonte profunda de sabedoria e resiliência, destacando a importância de tradições, rituais e histórias que moldam a identidade e a experiência. Aqui Luiza conta com a companhia de Sérgio Pererê.

Em "Oração 19 (oração pra Oxum)", Ianna Rennó se junta a Luiza para uma celebração da conexão entre o ser humano e o mundo natural, parecendo querer sugerir que a verdadeira paz pode ser encontrada na harmonização com a natureza e no cultivo de um espaço interior de acolhimento e tranquilidade. Em "Oração 15 (oração à Cobra Grande)", Luiza tem a parceria de Thiago Amud na composição e a participação especial é de Maurício Tizumba. Se trata de uma invocação à uma entidade nomeada Cobra Grande, sendo sua presença algo vital para um rio. É uma peça carregada de saudação e respeito, refletindo a importância dessa entidade na manutenção do fluxo e da pureza do rio.

Mesmo sem listar todas as faixas, é importante destacar que cada uma delas possui méritos e importância dentro do álbum. Todas desempenham um papel essencial no desenvolvimento do conceito e na construção da narrativa total de Prece, contribuindo de maneira única para a experiência de quem se deixar levar pelo disco, seja através de suas letras, melodias ou arranjos, formando assim uma tapeçaria coesa que enriquece o trabalho como um todo.   

Por falar em melodias e arranjos, é impossível não se maravilhar com a atenção aos detalhes, principalmente evidenciados no trabalho orquestral realizado por 19 mulheres. A complexidade dos arranjos se mistura de maneira bastante harmoniosa com a simplicidade e a elegância de cada uma das peças lideradas pela voz doce de Luiza. A orquestração é feita com enorme sensibilidade, onde cada uma das frases dos instrumentos é combinada de maneira condizente com a progressão da narrativa.

Por fim, o disco me coloca em um dilema: ou eu não o entendi muito bem, ou eu o entendi de uma forma tão intensa que isso gerou um impacto ainda maior do que eu esperava. De qualquer forma, o que é inegável, é que não vejo Prece simplesmente como uma coleção de faixas, é algo muito mais significativo. Com bons fones de ouvido em um quarto escuro, ele me provocou um turbilhão de emoções que vão muito além da experiência comum de ouvir música, ressoando profundamente com minhas próprias vivências e sentimentos. 

NOTA: 8,8/10

Gênero: MPB, Música de Câmara

Faixas:

Oração 1 - 1:17
2. Oração 2 - 3:51 part Silvana Estrada
3. Oração 18 (Pra viver junto)- 3:02
4. Oração 3 - 3:23
5. Rainha Belinha entoa Velhos de Coroa - 1:59 part Rainha Isabel Casimira
6. Oração 13 (Coração candongueiro) - 3:42 part Sérgio Pererê
7. Oração 19 (Oração pra Oxum) - 4:17 part Iara Rennó
8. Oração 15 (Oração à Cobra Grande) - 5:03 part Maurício Tizumba
9. Oração 17 (Risco) - 4:22
10. Oração 16 (Dios / Adiós) - 3:11  part LvRod
11. Oração 10 (Oração ao porto) - 2:35

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

50 anos de: Minas - Milton Nascimento (1975)

                              

Sempre que penso em um disco fora de série do Milton Nascimento, o primeiro nome que me vem à mente é Clube da Esquina. Não é por acaso, afinal, eu o considero uma das maiores obras-primas da história da música mundial. No entanto, acredito ser igualmente importante lembrar de outros álbuns emblemáticos do nosso querido Bituca. Minas, por exemplo, que em 2025 fará 50 anos é um desses trabalhos que merecem destaque, pois também é uma joia lapidada durante o período mais criativo de sua carreira e que é carregada de sutilezas e profundidade do começo ao fim. 

Reduzir a música de um álbum como Minas a apenas MPB seria um simplismo que não faz jus à sua grandeza. Sua estrutura intrincada revela de forma notável a fusão de elementos de jazz com toques sutis e preciosos de rock progressivo. Essa combinação não é apenas um detalhe técnico, mas evidencia o coração pulsante do disco e que é um dos seus maiores trunfos. A genialidade de Minas reside no equilíbrio magistral entre o experimental e o popular, criando uma sonoridade que transcende rótulos e se afirma como uma expressão musical bastante original. 

Cada arranjo foi tratado com um cuidado quase artesanal, com Wagner Tiso assumindo a direção musical em grande parte do disco. No entanto, o brilho do álbum também se deve à presença de uma constelação de talentos que participaram do projeto. Nomes como Beto Guedes, Nelson Angelo, Toninho Horta, Paulinho Braga, Novelli, entre outros, contribuíram para dar vida a Minas, com cada um deixando sua marca.

Liricamente, as músicas exploram uma rica variedade de temas, transitando com delicadeza entre reflexões sobre liberdade, amor, meio ambiente, nostalgia e os conflitos intrínsecos à condição humana. Porém, é a profundidade emocional e a sensibilidade poética com que abordam questões universais que merecem o maior destaque no disco. Muitas vezes, as letras combinam metáforas bem elaboradas até mesmo com críticas sociais sutis.

A faixa título inicia o disco é uma verdadeira joia que é enriquecida por belíssimas harmonias vocais que parecem flutuar sobre cada nota. Introspectiva, ela se destaca por sua de música regionalista e sutis acenos ao jazz, tendo como resultado uma peça de atmosfera delicada e ao mesmo tempo profundamente evocativa. “Fé Cega, Faca Amolada” possui um ritmo vibrante e contagiante que contrasta com a profundidade reflexiva de sua letra. A canção aborda os percalços da vida e traz uma crítica incisiva à falta de discernimento e aos perigos de seguir caminhos sem reflexão. A interpretação de Milton parece carregar uma sensação de urgência, como se fosse um chamado à consciência. Musicalmente se destaca pela densidade de sua sonoridade que flerta com um peso incomum dentro do contexto do álbum, sendo sustentada por uma melodia rica em camadas. 

“Beijo Partido”, por meio de uma melodia suave e delicada, Milton canta em um tom melancólico o sentimento agridoce de perda e despedida. Os arranjos capturam com perfeição a dualidade entre a beleza e a tristeza de um amor não correspondido. A letra na interpretação de Milton tornando-se um dos momentos mais emotivos do álbum. Uma prova do talento de um dos maiores - para mim o maior - nomes da música brasileira. “Saudade dos Aviões da Panair” é daquelas canções que despertam um profundo sentimento de nostalgia. Com uma atmosfera simples e aconchegante a peça parece abraçar o ouvinte com um sentimento de doçura e melancolia. Sua melodia delicada e despretensiosa intensifica essa conexão emocional.

“Gran Circo” é uma das faixas mais experimentais do disco. As vocalizações de Fafá de Belém pontuando momentos cruciais da música são um deleite que tem a capacidade de adicionar uma enorme camada de beleza e intensidade emocional e que eleva a composição. Uma música que transita brilhantemente entre o incomum e o sublime. “Ponte de Areia” é uma música que encanta com sua melodia suave e cativante. Sua harmonia plácida envolve delicadamente o ouvinte, enquanto o vocal emotivo de Milton imprime vida por meio de um lirismo tocante. No geral é uma exímia combinação entre simplicidade e profundidade e que mais uma vez prova o talento incomparável de Milton em transformar emoções em música.

“Transtevere”, quando as influências jazzísticas e a música brasileiro se abraçam e “dançam” em perfeita harmonia. A faixa exala uma atmosfera envolvente de mistério. Seu nome é uma referência ao icônico bairro de Roma. Tudo isso acaba tendo a capacidade de transmitir imagens de um encontro cultural onde tradição e modernidade se encontram em um delicado equilíbrio sonoro. “Idolatrada” direciona o disco para um clima mais edificante por meio de um ritmo mais animado, cheio de energia e repleto de vitalidade. Enquanto isso, oferece uma reflexão sobre a idealização do ídolo e traz uma perspectiva mais humana e realista. 

“Leila (Venha Ser Feliz)” traz uma melodia divertida e apaixonante e que se expande de forma envolvente à medida que a música se desenvolve. A letra, embora simples e repetitiva – centrada basicamente no título –, consegue transmitir uma sensação de acolhimento e convite. Mesmo em sua simplicidade, a canção é uma celebração calorosa da felicidade e do afeto. “Paula e Bebeto”, graciosa e melancólica narra a história de um casal que vive um amor alvoroçado. Os arranjos são muito bem trabalhados e criam uma atmosfera de introspecção e reflexão. É uma peça que fala de amor em sua forma mais humana, enquanto entrelaça beleza e fragilidade.

“Simples” encerra o álbum brilhantemente, proporcionando um desfecho pacífico, sereno e profundamente significativo. Com uma sonoridade serena e intimista, a música celebra a beleza que reside nas pequenas coisas da vida. Soa como um convite ao ouvinte para desacelerar o ritmo e apreciar a simplicidade, fechando o disco com uma mensagem de quietude e contemplação.

Enfim, Minas é um disco de sensibilidade rara, onde cada detalhe foi extremamente pensado para criar uma obra atemporal. Nada está fora do lugar e cada elemento se complementa de maneira harmoniosa e que resulta em um dos trabalhos mais emblemáticos de toda a MPB. Mais do que uma simples coleção de músicas, o álbum se apresenta como uma experiência quase terapêutica, além de uma jornada contemplativa e acolhedora que envolve o ouvinte de forma sublime. Minas é a arte da música em seu estado mais puro.

NOTA: 10/10

Gênero: MPB, Jazz

Faixas:

1. Minas - 2:31

2. Fé Cega, Faca Amolada - 4:37

3. Beijo Perdido - 3:49

4. Saudade dos Aviões do Panair - 4:28

5. Gran Circo - 4:09

6. Ponta de Areia - 4:32

7. Transtevere - 4:25

8. Idolatrada - 4:45

9.. Leila (Venha Ser Feliz) - 3:29

10. Paula e Bebeto) - 2:15

11. Simples - 2:11

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube