The Weather Station - Humanhood (2025)

                                       

The Weather Station é um projeto liderado pela canadense Tamara Lindeman. Suas composições se destacam pela profundidade com que são explorados temas diversos muitas vezes dentro da complexidade envolta das nossas emoções. Combinando letras introspectivas e poéticas com melodias atmosféricas e bem construídas, o projeto apresenta arranjos muito bem elaborados que transitam entre o folk tradicional, indie rock e até mesmo algumas nuances jazzísticas que juntos criam dessa forma uma sonoridade envolvente.

O projeto ao longo dos anos passou por uma clara evolução. Enquanto os primeiros álbuns apresentavam um estilo mais acústico e enraizado no folk tradicional, os trabalhos mais recentes entregam uma abordagem mais expansiva. Com o álbum "Ignorance" (2021), Tamara trouxe uma transformação sônica ao incorporar elementos de art pop e jazz que ampliaram a sonoridade do projeto. Instrumentos como cordas, teclados e saxofones são utilizados na construção de paisagens sonoras sofisticadas que enriquecem as narrativas de suas letras. 

Coproduzido por Lindeman e o seu experiente parceiro musical Marcus Paquin, Humanhood álbum foi gravado ainda em 2023 trazendo consigo uma sonoridade cheia de sofisticação dentro de uma fusão rica de pop, folk, indie rock, jazz e música ambiente, criando dessa forma uma experiência sonora que é ao mesmo tempo expansiva e intimista. A atmosfera do álbum é amplificada pelo uso de arranjos texturizados e bastante detalhados que possuem a capacidade de evocar tanto vulnerabilidade quanto força.

“Descent" abre o álbum com uma introdução instrumental breve e atmosférica. Apresenta um arranjo minimalista de flauta e uma melodia etérea que sugere introspecção e mistério. "Neon Signs" surge de forma orgânica mantendo a batida deixada por "Descent", como se ambas as faixas estivessem conectadas em um fluxo contínuo. A música entrega uma mescla de indie rock e pop atmosférico com uma batida de ritmo ininterrupto, enquanto isso, os sintetizadores criam uma paisagem sonora envolvente e as guitarras apesar de discretas adicionam belas camadas. 

“Mirror” é uma das faixas mais sofisticadas do disco, oferecendo uma instrumentação muito bem cuidada e excelente atmosfera. Traz alguns elementos de jazz contemporâneo que adicionam tanto profundidade quanto complexidade à música. A bateria é fluida e discreta e os “ataques” de saxofone feitos de maneira orgânica em momentos pontuais adicionam um charme especial. "Window" se constrói sobre uma batida sólida e cadenciada com uma percussão bem pronunciada que confere à música um impulso contínuo, como se estivesse empurrando o ouvinte para frente. A batida não apenas dá movimento à música, mas também a coloca em um território mais rítmico, enquanto sua letra parece capturar o momento exato em que alguém toma coragem para abandonar uma situação sufocante.

“Passage” é um pequeno interlúdio instrumental de menos de um minuto baseado em texturas eletrônicas ambientais. "Body Moves" é uma faixa que se sustenta em um groove ritmado e dançante. Possui algumas linhas profundas e marcantes de baixo que dão à música uma base sólida e cheia de ritmo. Possui uma influência de funk que adiciona um dinamismo contagiante que faz a música remeter imediatamente ao desejo de movimento e dança. Inclusive, o vídeo oficial é apenas uma câmera focada em Tamara realizando alguns leves movimentos. 

"Ribbon" é uma composição acústica que se destaca pela sua simplicidade e delicadeza. A faixa possui um arranjo sutil de piano que cria uma atmosfera íntima e introspectiva. À medida que avança, sua sonoridade vai se expandindo e conferindo à faixa uma qualidade onde cada acorde soa como se estivesse sendo cuidadosamente projetado para evocar uma emoção profunda. “Fleuve”, com pouco mais de um minuto, é mais um interlúdio que nasce e termina por meio das mesmas notas de piano deixado pela faixa anterior.

"Humanhood", a faixa-título é uma fusão que combina muito bem elementos de folk e jazz, criando desta forma uma sonoridade quase sedutora. A base da música é construída por arranjos de sopro que adicionam uma textura rica e fluida, enquanto a bateria mantém uma sensação de introspecção, mais ou menos como uma espécie de compasso reflexivo e que convida o ouvinte a mergulhar na música.

"Irreversible Damage" é uma faixa mais sombria e melancólica que possui uma enorme profundidade emocional que transborda de cada acorde. O contrabaixo acústico entrega algumas linhas expressivas que parecem refletir a densidade do sentimento da música, enquanto a bateria cria uma textura sonora que permite que cada elemento respire e se desenvolva perfeitamente. A forma que os instrumentos interagem entrega uma forte influência no jazz contemporâneo. 

"Lonely" é uma balada de arranjo minimalista e que permite que a sua emotividade se manifeste de forma pura e direta. Uma seção rítmica de notas delicadas e espaçadas cria uma sensação de solidão e cura emocional – que são os seus temas líricos. Leves sintetizadores atmosféricos preenchem o espaço com sutileza e mostram um exemplo claro de uma música que se constrói dentro de um equilíbrio perfeito entre o silêncio e a expressão. 

"Aurora" é o terceiro interlúdio do álbum, uma peça etérea de pouco mais de um minuto e meio que funciona como uma pausa meditativa.  É uma interação delicada entre o piano e a flauta que trocam melodias suaves em um diálogo introspectivo. A sonoridade atmosférica do sintetizador preenche o fundo suavemente. 

"Sewing" é a música de encerramento. Começa com uma bateria solitária, mas logo em seguida o piano entra suavemente acompanhando a voz delicada de Tamara que flui com leveza e serenidade, dando à música uma sensação de intimidade e fragilidade. Uma flauta surge de forma suave, como um abraço musical que envolve o ouvinte, então que um som ao fundo vai crescendo gradualmente e cria uma tensão que permeia o ambiente até silenciar repentinamente, deixando a música segue por meio de piano e voz até terminar. 

Apesar de suas abordagens cruas, introspectivas e profundas, Humanhood oferece uma visão sensível e verdadeira sobre temas universais como solidão, identidade, desilusão, amor e desejo, tudo isso dentro de uma musicalidade que se destaca pela sofisticação dos arranjos que combinam elementos de folk, jazz, pop e música ambiente de forma fluida e envolvente, enquanto que as interpretações emocionais de Tamara Lindeman transmitem uma vulnerabilidade que dá vida a cada palavra e nota. 

Por fim, Humanhood não é apenas uma coleção de músicas, ele também é uma jornada dramática e comovente que vai além da superfície ao convidar o ouvinte a refletir sobre sua própria humanidade, suas contradições e as complexidades do que significa ser verdadeiramente humano. 

NOTA: 9/10

Gênero: Art Pop, Art Rock

Faixas:

1. Descent - 1:00

2. Neon Signs - 5:07

3. Mirror - 4:56

4. Window - 2:41

5. Passage 0:48

6. Body Moves - 3:27

7. Ribbon - 3:18

8. Fleuve - 1:10

9.Humanhood - 4:11

10. Irreversible Damage - 5:36

11. Lonely - 4:36

12. Aurora - 1:37

13. Sewing - 5:58

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David Gilmour - Luck and Strange (2024)

Merecidamente reconhecido como um verdadeiro mestre da melodia, David Gilmour pode ser facilmente considerado uma espécie de paradoxo de si mesmo, sendo um virtuoso que navega perfeitamente entre o sutil e o grandioso. O guitarrista é amplamente aclamado por meio de um estilo que o torna um verdadeiro arquiteto das mais belas catedrais sônicas, além de existir dentro de uma dualidade onde o simples se torna grandioso e o grandioso se desmancha em simplicidade.

Aos 78 anos, David Gilmour continua provando que sua genialidade não está necessariamente ligada à virtuosidade técnica, mas sim, à sua habilidade em criar composições que tocam profundamente a alma de quem as ouve, onde cada nota e acorde são cuidadosamente escolhidos para criar uma experiência intensa e envolvente, onde cada detalhe, por menor que seja, contribui para criar uma atmosfera imersiva, capaz de transportar quem se deixar levar por sua música, para um lugar de introspecção e conexão emocional.

Luck and Strange, 5º disco de estúdio do músico, dentro de uma musicalidade delicada e característica, oferece um trabalho lírico que ajuda refletir sobre o que constitui uma experiência genuína em um mundo saturado de superficialidade, sobre a durabilidade das conexões interpessoais, sobre encontrar significado diante da mortalidade inevitável e da incerteza que permeia a existência humana entre outros, sempre dentro de uma exploração poética e multifacetada desses temas, oferecendo momentos de reflexão profunda e introspectiva. Novamente, quase todo as letras foram escritas por Polly Samson, esposa de Gilmour.

"Black Cat", uma faixa instrumental de cerca de um minuto e meio, abre o álbum estabelecendo de imediato o clima característico da música de David. Com sua atmosfera introspectiva e arranjos sutis, a peça oferece uma pequena amostra do estilo sofisticado e inconfundível do guitarrista. "Luck and Strange", o blues nunca foi um gosto oculto de David Gilmour, e faixas como essa evidenciam isso. Com apoio das teclas de Richard Wright, é muito bem construída por meio de várias “brincadeiras” de guitarra, enquanto entrega algumas reflexões sobre o tempo. "The Piper's Call" é uma composição que Gilmour criou originalmente em um ukulele, dando à peça uma origem curiosa. Começa de forma acústica e suave, com acordes delicados que estabelecem uma sensação íntima, mas logo se transforma, crescendo de maneira gradual até culminar em um solo carregado de intensidade emocional. Novamente, é possível sentir uma atmosfera de blues. Uma música que atenta aos perigos que é o de cair nas promessas vazias de soluções rápidas

"A Single Spark" apresenta uma atmosfera mais melancólica em comparação às faixas anteriores, mas essa tonalidade sombria encaixa-se perfeitamente com a temática lírica, que reflete sobre a fragilidade e a efemeridade da vida. Mais uma vez, um solo de guitarra brilhantemente executado se destaca, adicionando camadas de profundidade e realçando extremamente bem com o seu tom reflexivo. "Vita Brevis" é um breve interlúdio atmosférico que funciona como uma ponte delicada para a faixa seguinte. "Between Two Points" traz uma colaboração familiar, com Romany Gilmour nos vocais e harpa, enquanto Gabriel Gilmour, seu irmão, contribui com o vocal de apoio. A voz suave e etérea de Romany, combinada com a atmosfera celestial da música, preserva a aura contemplativa da versão original dos The Montgolfier Brothers. No entanto, a inclusão da guitarra melódica e inconfundível de Gilmour adiciona uma nova camada emocional, enriquecendo a interpretação com sua marca clássica.

"Dark and Velvet Nights" apresenta uma letra adaptada de um poema que Polly Samson escreveu para Gilmour em um de seus aniversários de casamento. Liricamente, a canção explora a busca por um refúgio seguro na intimidade compartilhada, refletindo sobre como símbolos externos, como uma simples aliança, são frágeis e incapazes de capturar plenamente a profundidade de uma conexão verdadeira. Musicalmente, a faixa se destaca por sua sonoridade mais robusta e densa, contrastando com a delicadeza da mensagem, mas reforçando o peso emocional do tema.

"Signs" conduz o álbum de volta a uma sonoridade suave e serena, proporcionando um momento de tranquilidade após uma faixa muito mais intensa. A música é construída com arranjos delicados e envolventes, criando uma atmosfera de paz e contemplação que permeia toda a composição, enquanto é feita uma bonita reflexão sobre o amor, a perda e a luta para manter algo tão genuíno em um mundo cada vez mais caótico. "Scattered" é a faixa do álbum que mais se assemelha ao som do Pink Floyd. Com belos arranjos de piano e orquestrações cuidadosas, a canção é enriquecida por um Gilmour em plena forma, tanto no violão quanto na guitarra. Na parte final, ele entrega um solo intenso, pesado e cheio de fervor. Liricamente, simbolismos abordam a luta humana contra a passagem inevitável do tempo, refletindo sobre a impotência diante desse processo cabal e incontrolável.

"Yes, I Have Ghosts", lançada originalmente em 2020, entrou no disco como uma das duas faixas bônus. Tem a participação de Romany na harpa e vocais de apoio que casam perfeitamente com a voz de David. É marcada por um violão de timbre sofisticado e que adiciona um sutil toque folk, além de acentuar a profundidade emocional da música que fala sobre como o peso das experiências e relacionamentos passados pode persistir, moldando e assombrando nossas vidas atuais de maneira persistente.

"Lucky and Strange (Original Barn Jam)", a outra faixa bônus do álbum, tem uma duração de quatorze minutos, e como o título sugere, é uma jam improvisada da faixa título do disco. Gravada originalmente em 2007, a faixa conta com a participação de Richard Wright, trazendo novamente um toque nostálgico ao som. Embora a influência do blues seja evidente, a execução da peça possui uma sonoridade que se inclina mais para um jazz moderno cheio de leveza. Enquanto isso, é mostrado toda a habilidade dos músicos em criar um ambiente sonoro sofisticado e envolvente.

Em Luck and Strange, David Gilmour demonstra um equilíbrio sutil e sofisticado, que serve como um reflexo profundo de sua habilidade musical refinada e sua vasta experiência como artista. Cada faixa é uma prova da profunda destreza de Gilmour em combinar texturas sonoras complexas com uma sensibilidade melódica única. Do começo ao fim, o álbum revela uma maturidade musical impressionante, com arranjos muito bem elaborados e uma execução impecável.

Quando Gilmour afirmou que Luck and Strange é o seu melhor trabalho desde Dark Side of the Moon, é provável que ele estivesse considerando fatores além dos puramente musicais, incluindo aspectos pessoais e contextuais que influenciam sua visão artística. No entanto, se a questão for exclusivamente na dimensão musical, minha avaliação diverge dessa declaração. Porém, Luck and Strange destaca-se por seu brilho e profundidade, mas não apenas por isso, ele possui uma qualidade especial que ressoa com a sofisticação e o talento de Gilmour. Isso faz com que a partir de agora, eu o enxergue como seu melhor disco solo.

NOTA: 7,8

Gênero: Art Rock, Música Ambiente

Faixas:

1. Black Cat - 1:32
2. Luck and Strange - 6:57
3. The Piper's Call - 5:15
4. A Single Spark - 6:04
5. Vita Brevis - 0:46
6. Between Two Points - 5:47
7. Dark and Velvet Nights - 4:45
8. Sings - 5:14
9. Scattered - 7:34

Bonus tracks:

10. Yes, I Have Ghosts (3:50)
11. Luck and Strange (original barn jam) (14:00)

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Kyros - Mannequin (2024)

                              

Para iniciar esta resenha, é importante destacar que antes de se tornar Kyros, o projeto era conduzido pelo multi-instrumentista Adam Warne - que após sua transição em 2021, passou a se chamar Shelby Logan Warne. O projeto era conhecido como Synaesthesia, nome sob o qual foi lançado o primeiro álbum. Além de Shelby, o guitarrista Nikolas Jon Aarland também fazia parte do projeto. No entanto, a banda estava prestes a se transformar de um simples projeto solo em uma formação sólida, algo que de fato aconteceu. Embora Nikolas não tenha permanecido para a conclusão do álbum, sendo substituído por Ollie Hannifan, que gravou as guitarras restantes.

Mannequin é o quarto álbum da banda que optou por considerar o disco de estreia Synaesthesia como uma obra solo de Shelby, o que faz sentido dado que sua sonoridade difere bastante dos trabalhos subsequentes. Esse primeiro álbum marcou um recomeço, justificando até a mudança de nome.

Os músicos que participaram de Mannequin são Shelby Logan Warne (vocal e teclados), Joey Frevola (guitarra), Charlie Cawood (baixo) e Robin Johnson (bateria), com a participação especial de Dominique Gilbert nos vocais em "Illusions Inside" e Canyo Hearmichael no saxofone em "Esoterica". O álbum está repleto de ideias complexas, principalmente nas passagens progressivas, que dividem espaço com elementos de synth pop, art rock e rock alternativo. Em resumo, Mannequin é um disco que exige várias audições para ser totalmente desvendado, mas que também é acessível para diferentes públicos graças à sua mistura de estilos.

O álbum começa com "Taste the Day", uma faixa suave que combina violões e vocais sensíveis, acompanhados por teclados que criam uma atmosfera bucólica. É a faixa mais curta do disco. "Showtime" é  uma peça instrumental que  traz energia desde os primeiros segundos, com sintetizadores que abrem caminho para os demais instrumentos, conduzindo a música de forma dinâmica. Perto do final, há uma pausa antes de uma breve retomada com destaque para o baixo. "Illusions Inside" segue com ataques de bateria e sintetizadores que se fazem presentes ao longo de toda a faixa. A interação vocal entre Shelby e Dominique Gilbert é cativante, especialmente nos refrãos, que soa do tipo que parece convidar o ouvinte a cantar junto. As linhas de baixo são impressionantes e merecem ser ouvidas com bons fones de ouvido. "Esoterica" transporta o ouvinte para os anos 80, com seus sintetizadores e guitarras criando uma atmosfera divertida e dançante, mas também emotiva.

"The End in Mind" se destaca pelo seu interlúdio pesado, onde a seção rítmica brilha com uma performance sagaz, enquanto as guitarras e teclados criam paredes sonoras intensas. É uma faixa repleta de ondulações, que altera o humor do ouvinte várias vezes e que definitivamente se destaca como um dos melhores momentos do álbum. Após a intensidade de "The End in Mind", "Digital Fear" oferece um momento de recuperação, com uma delicadeza envolvente que poderia facilmente ser trilha sonora de um filme de ficção científica. A peça se desenvolve dentro de um tema sinfônico, atmosférico e quase psicodélico, graças principalmente ao trabalho de teclados e sintetizadores.

"Ghosts of You" retorna ao synth pop, mas com acenos progressivos. A cozinha se destaca mais uma vez, unindo-se ao teclado para criar uma sonoridade agradável e dançante, quase como um Jamiroquai mais pesado. "Liminal Space" segue com uma instrumentação cintilante e sonoridades eletrônicas, entregando uma harmonia synth-pop progressiva que a banda executa com maestria. "Technology Killed the Kids IV" é uma faixa que mostra claramente porque o rock progressivo é um dos gêneros associados à Kyros. Cheia de mudanças e variações, a peça é tão tempestuosa e explosiva que, próximo ao final, os fones parecem falhar - um truque brilhante da banda para criar uma cacofonia bem orquestrada e impetuosa.

O álbum encerra com "Have Hope", a faixa mais longa, com quase 8 minutos. É uma peça cheia de modulações, que combina linhas comuns com trechos de "desordem" musical. A guitarra é mais agressiva aqui, enquanto a seção rítmica se mantém consistente, e os teclados criam momentos sinfônicos, psicodélicos e acenos ao synth pop. Um final de álbum digno.

Mannequin é aquele tipo de disco que está sempre em constante evolução e explorando uma infinidade de direções. Contudo, a banda faz isso com uma simetria que evita que sejam vistos como músicos perdidos ou indecisos. Muito pelo contrário, essa montanha-russa de ideias resulta em um direcionamento musical sólido e bem característico. Com isso, Mannequin oferece material suficiente para entreter o ouvinte do início ao fim.

NOTA: 8/10

Gênero: Synth Pop, Art Rock, Rock Alternativo, Rock Progressivo

Faixas:

1. Taste the Day - 2:26
2. Showtime - 4:10
3. Illusions Inside - 5:09
4. Esoterica - 6:55
5. The End in Mind - 7:41
6. Digital Fear - 3:35
7. Ghosts of You - 5:02
8. Liminal Space - 4:39
9. Technology Killed the Kids IV - 7:26
10. Have Hope - 7:57

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Amarok - Hope (2024)

                             

Amarok começou como um projeto polonês de rock progressivo em 1999, idealizado pelo multi-instrumentista Michał Wojtas. Desde o início, a banda se destacou por uma abordagem ousada à música progressiva, fundindo influências de jazz e música eletrônica, além de world music. Essa mistura rica criou uma identidade musical única, onde elementos experimentais se entrelaçam com texturas sonoras complexas e arranjos bem detalhados.

Com o passar dos anos a abordagem criativa da banda não só conquistou reconhecimento na cena musical polonesa, como também ganhou fãs em toda a Europa. Em 2020, houve uma evolução de "Michał e convidados" para um quarteto fixo, consolidando-se de fato como uma banda. A formação atual inclui Michał Wojtas (vocal, guitarra, violão, teclado, percussão e bateria eletrônica), Kornel Popławski (baixo, violino, violoncelo e vocal na faixa 6), Marta Wojtas (vocais de apoio, gongo e percussão) e Konrad Zieliński (bateria e vocal na faixa 5).

A combinação de instrumentos tradicionais e não convencionais permite à Amarok criar arranjos exuberantes, onde camadas sonoras realçam a profundidade e atmosfera das composições. Essa versatilidade abre caminho para uma constante experimentação, onde a banda explora diferentes tonalidades, texturas e dinâmicas. As faixas transitam entre passagens introspectivas e etéreas até momentos mais intensos e enérgicos, sempre oferecendo aos ouvintes uma experiência completa e gratificante.

O sétimo álbum da banda, Hope, sucede o aclamado Hero de 2021, mantendo o alto padrão de qualidade que a banda estabeleceu ao longo dos anos. Desde sua formação, o grupo nunca decepcionou e Hope não é exceção. O álbum destaca-se por sua capacidade de criar uma conexão íntima e profunda com o ouvinte, faixa após faixa. A atmosfera onipresente que permeia o disco - seja nas variações rítmicas ou nos momentos mais explosivos - cria um ambiente sonoro rico e envolvente.

A faixa de abertura, "Hope Is", entrega uma poderosa mensagem sobre a importância da esperança como força vital. Musicalmente, surpreende ao flertar com o industrial, sem abandonar suas raízes progressivas, demonstrando a habilidade da banda em explorar novos territórios sem perder sua essência artística. "Stay Human", mais melancólica e onírica, carrega uma atmosfera minimalista que complementa o tom sombrio da música, intensificando a sensação de isolamento e introspecção. A narrativa da faixa destaca a importância de permanecer autêntico em um mundo repleto de falsidades e pressões.

"Insomnia" começa com uma guitarra à lá David Gilmour e se desenvolve em uma peça onde beleza e elegância se entrelaçam, criando um dos arranjos mais marcantes do álbum. O solo de guitarra é arrebatador, refletindo a exploração da ansiedade e do desejo de encontrar paz em tempos turbulentos. "Trail" leva o álbum a uma vibração eletrônica e dançante, até flertar com o metal em uma sequência instrumental de tirar o fôlego. A faixa entrega uma mensagem de otimismo e perseverança, encorajando a apreciação da jornada da vida, mesmo diante dos desafios.

"Welcome" apresenta uma atmosfera que lembra as criadas por Steve Hackett em seus momentos mais sombrios. Orquestrações eletrônicas e guitarras marcantes criam uma energia intensa, com uma mensagem de esperança que convida os ouvintes a abraçar sua individualidade e seguir seus sonhos com coragem. "Queen" explora novos territórios musicais, resultando em uma experiência densa e, em certa medida, perturbadora. A atmosfera sombria e introspectiva é acentuada por um solo de violino, um dos momentos mais evocativos do álbum, abordando a dominação tecnológica e a esperança de reconexão com o eu interior.

"Perfect Run" é uma peça instrumental agressiva, marcada por uma seção rítmica pungente e teclados potentes, trazendo uma sensação de urgência e dinamismo à música. "Don’t Surrender" é uma balada deslumbrante, com uma performance vocal emotiva e um arranjo luxuoso que cria uma atmosfera envolvente. A música carrega uma mensagem sobre aceitação e resiliência. "Simple Pleasures" oferece um respiro descontraído e tranquilo, mantendo a qualidade elevada do álbum. Com sua simplicidade e elegância, a faixa cria um clima sereno, proporcionando uma sensação de leveza e calma. "Dolina", cantada em polonês, encerra o álbum de forma melancólica, com vocais emocionais e acordes solenes de acordeão que criam uma  atmosfera única e introspectiva. 

Em um mundo cada vez mais caótico e incerto, Hope oferece um refúgio acolhedor, uma experiência auditiva que acalma a mente e proporciona conforto. As composições do álbum criam ambientes sonoros serenos, transmitindo introspecção e tranquilidade. A combinação de arranjos ricos, harmonias suaves e melodias cativantes permite que o ouvinte se desconecte das preocupações externas e mergulhe em uma experiência que revigora e acalma o espírito.

NOTA: 7,8/10

Gênero: Rock Progressivo, Art Rock

Faixas:

1. Hope Is - 4:44
2. Stay Human - 5:52
3. Insomnia - 6:06
4. Trail - 7:07
5. Welcome - 5:16
6. Queen - 5:15
7. Perfect Run - 5:50
8. Don't Surrender - 6:59
9. Simple Pleasures - 7:34
10. Dolina - 3:09

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube