Blood Incantation - Absolute Elsewhere (2024)

 

Blood Incantation é uma banda de death metal formada em Denver, Colorado, que rapidamente se destacou na cena do metal extremo por meio de uma abordagem musical bastante atraente. Combinando o peso e a brutalidade do death metal com influências atmosféricas e elementos progressivos, eles criam uma sonoridade densa e que foge dos padrões convencionais. Suas composições são complexas e carregadas de camadas sonoras que transitam entre riffs intensos, passagens psicodélicas e mudanças de ritmo bem elaboradas.

Ao longo dos anos, a banda evoluiu artisticamente, com cada álbum trazendo novos níveis de complexidade técnica e inovação sonora. A música do grupo frequentemente se inspira em temas cósmicos, filosóficos e existenciais, o que se reflete tanto nas letras quanto nas atmosferas criadas em suas composições. Essas inspirações conferem um ar místico e quase ritualístico à sua música. Essa mistura de peso, brutalidade e sofisticação atmosférica, acaba cativando variados tipos de ouvintes, e não apenas amantes da música pesada e extrema.

Costumo evitar eleger o melhor álbum do ano antes de ouvir todos os lançamentos relevantes até o dia 31 de dezembro. No entanto, diante de uma obra como Absolute Elsewhere, posso dizer tranquilamente — e sem temer que algum lançamento futuro mude minha opinião — que em termos de death metal e metal progressivo, 2024 já atingiu seu auge. Um disco que estabeleceu enorme padrão de profundidade, técnica e impacto emocional. Não é uma experiência musical que sintetiza apenas o melhor do ano do gênero, mas apresenta um grau de excelência que vai demorar ser alcançado dentro desse nicho.

Dando uma conferida em alguns sites que escrevem bastante sobre esse tipo de som, vi que Absolute Elsewhere é um álbum conceitual que explora uma jornada profunda em busca de sentido e conexão dentro de um universo vasto, desconhecido e hostil. Cada faixa leva o ouvinte a uma travessia por paisagens cósmicas repletas de mistério e introspecção. As músicas "The Stargate" e "The Message" são divididas em três atos cada, estruturando-se em movimentos que transitam entre o caos e a harmonia, criando um forte equilíbrio entre tensão e tranquilidade.

"The Stargate [Tablet I]" abre o álbum com uma intensidade avassaladora, mergulhando o ouvinte em uma atmosfera de agressividade e turbulência. As guitarras afiadas e a instrumentação brutal, aliadas aos vocais carregados de raiva, criam um início que parece inabalável em sua ferocidade. No entanto, a faixa se transforma, abrindo caminho para uma sessão psicodélica. Esse momento de calmaria surreal segue por alguns minutos, e então a música retorna a um estado de vigor extremo, encerrando o movimento com uma explosão de energia selvagem que reafirma a natureza da banda.

"The Stargate [Tablet II]", traz uma colaboração de Thorsten Quaeschning, membro da banda Tangerine Dream. Essa parceria, logo deixa transparecer a direção sonora que a faixa tomará, mergulhando o ouvinte em paisagens sonoras oníricas e atmosféricas. A fusão de elementos eletrônicos e progressivos cria uma tapeçaria musical rica e envolvente, onde melodias etéreas flutuam suavemente, evocando sensações de introspeção. Um universo de tranquilidade e reflexão, contrastando com a ferocidade do movimento anterior – embora aqui aconteça alguns ataques de fúria também.

"The Stargate [Tablet III]", a terceira e última parte do primeiro épico apresenta uma alternância entre um clima opressivo e passagens de serenidade que remetem ao Opeth. Esses contrastes são habilmente explorados para criar uma dinâmica envolvente que prende o ouvinte e o guia por diferentes atmosferas. A peça também entrega uma inesperada influência da música indiana, trazendo texturas exóticas e um toque místico. O ponto alto, porém, vem com um dos riffs de guitarra mais memoráveis de todo o catálogo da banda.

"The Message [Tablet I]" inicia sua jornada sonora com uma explosão de agressividade e caos, mergulhando o ouvinte em um turbilhão de intensidade. No entanto, essa ferocidade é suavizada por arpejos delicados que criam uma atmosfera mais amena, proporcionando um respiro momentâneo em meio à tempestade sônica. Apesar desses momentos de tranquilidade, a faixa se desenvolve predominantemente por meio de vocais rosnados e uma instrumentação triturante que emergem a brutalidade característica da banda.

"The Message [Tablet II]", inicia com uma sonoridade tranquila. No entanto, essa tranquilidade é apenas uma introdução para algo muito mais intenso, onde surgem elementos marcantes e vibrantes que revelam o seu lado mais visceral e incendiário, com a banda imprimindo uma energia poderosa e explosiva. Porém, mesmo com essa intensidade, o som geral da peça mantém um toque leve, carregado de nuances psicodélicas que evocam paisagens sonoras e atmosferas etéreas que são claramente influenciadas pelo estilo da banda Eloy.

"The Message [Tablet III]", com mais de onze minutos de duração, é a faixa mais extensa do álbum e uma verdadeira viagem sonora. Desde os primeiros segundos, riffs intensos de guitarra rompem o silêncio, carregados de raiva e furor, enquanto a seção rítmica pulsa com uma energia incrível. No entanto, em seu núcleo, a faixa desacelera repentinamente, afastando a agressividade e dando lugar a uma sonoridade suave e contemplativa. Nesse ponto, o violão e texturas delicadas de sintetizadores surgem cuidadosamente, proporcionando uma transição celestial, mas que logo se dissolve para dar espaço ao retorno da instrumentação visceral e que segue até quase o final da música. O álbum se despede com a sutileza de notas de sintetizadores e o som distante de ondas se quebrando.

Por fim, é simplesmente fascinante a forma como a banda consegue criar uma fusão única, entrelaçando influências de grupos como Opeth em sua fase inicial e ainda adicionando sutis pinceladas de Pink Floyd e Eloy, especialmente em seu álbum Ocean. Absolute Elsewhere revela uma Blood Incantation que ao mesmo tempo em que preserva suas principais características, também aperfeiçoa com maestria a sua abordagem sonora, explorando uma paleta rica e diversificada que desconsidera qualquer tentativa de se encaixar em padrões estabelecidos.

NOTA: 10/10

Gênero: Death Metal, Metal Progressivo, Space Rock

Faixas:

The Stargate - 20:21

1. Tablet I - 8:21
2. Tablet II - feat. Thorsten Quaesching of Tangerine Dream - 5:09
3. Tablet III - 6:51

The Message - 23:24

4. Tablet I - 5:57
5. Tablet II - 5:59
6. Tablet III -11:28

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

DGM - Endless (2024)

O DGM vem se consolidando como uma das grandes forças do progressive metal atual. Seu som é pesado, técnico e incrivelmente acessível, sem jamais cair nos excessos que afastam tantos ouvintes do gênero. Como uma fusão entre Ayreon, Dream Theater e Spock's Beard, a banda refina o virtuosismo, resultando em uma sonoridade que é tanto envolvente quanto magistral. Se Endless fosse um lançamento do Dream Theater após o retorno de Portnoy, provavelmente seria aclamado como um dos melhores álbuns da banda. Contudo, enquanto o mainstream desfruta de uma margem maior de aceitação, grupos como o DGM precisam trabalhar incansavelmente para conquistar seu espaço ao sol.

Formada na Itália nos anos 1990, o nome DGM faz referência aos membros fundadores Diego, Gianfranco e Maurizio, que já não fazem parte da formação. Nos primeiros anos, a banda teve um início não tão impactante, mas com o passar do tempo foi refinando seu som e construindo sua identidade. Foi com o álbum The Passage, de 2016, que o DGM começou a encontrar sua verdadeira essência e a se sobressair no cenário do progressive metal. Atualmente, a banda é composta por Mark Basile (vocais), Simone Mularoni (guitarras), Emanuele Casali (teclados), Andrea Arcangeli (baixo) e Fabio Costantino (bateria). Com Endless, o grupo não apenas reafirma sua relevância no cenário, mas eleva seu som a novos patamares.

Faixa a faixa de Endless:

O álbum abre com "Promises", que é iniciada de maneira acústica e que cresce em seguida para um épico progressivo instrumental que equilibra melodia e técnica de maneira impecável. A faixa é guiada por teclados atmosféricos e riffs potentes, estabelecendo o tom emocional e grandioso do disco. A performance vocal de Mark Basile no início é imediatamente cativante, introduzindo o ouvinte ao universo sonoro do álbum. Uma bela introdução.

"The Great Unknown" traz peso e melodia em equilíbrio perfeito. A segunda faixa mantém a intensidade, com guitarras robustas e linhas de teclado que alternam entre o dramático e o melódico. O refrão é poderoso e emocional, destacando a capacidade da banda de criar músicas que são tanto complexas quanto acessíveis.

"The Wake" é um dos destaques do álbum e irá agradar em cheio os fãs de Dream Theater e Threshold. Uma peça que resulta como uma das faixas mais marcantes, com riffs esmagadores e uma seção instrumental que impressiona pela criatividade e fluidez. O diálogo entre guitarra e teclado é especialmente notável, evocando o melhor do prog metal clássico sem soar derivativo.

"Solitude" traz beleza em momentos de calmaria. Aqui, o DGM mostra sua versatilidade com uma abordagem mais introspectiva. A introdução acústica e os toques de flauta criam um ambiente etéreo que contrasta com os momentos mais intensos do álbum. O refrão é emocionalmente carregado, e a faixa termina em uma nota melancólica que prepara o terreno para o restante do disco.

"From Ashes" não deixa o ouvinte pensar em cansar com sua energia renovada. Com um ritmo acelerado e um refrão contagiante, é uma injeção de energia. A guitarra de Simone Mularoni brilha com riffs complexos e solos incendiários, enquanto os vocais de Basile atingem novas alturas emocionais.

"Final Call" é a joia do álbum. Principal porta de entrada para o disco e para quem não conhece o som da banda, é um exemplo perfeito do equilíbrio que o DGM alcança entre técnica e melodia. O instrumental no meio da música é um destaque absoluto, com início místico para em seguida mergulhar em teclados etéreos e guitarras emocionantes que elevam a faixa a um patamar épico.

"Blank Pages" é a faixa mais próxima de uma balada, com um foco maior na emotividade dos vocais e no piano. A canção cresce de forma gradual, culminando em um solo de guitarra que parece desenhar emoções no ar. Mesmo aqueles que normalmente não são fãs de baladas encontrarão algo para apreciar aqui.

"...Of Endless Echoes" conclui o álbum com um encerramento magistral. A faixa final é uma verdadeira viagem musical de 14 minutos. Passando por diversas mudanças de andamento e atmosfera, a música encapsula tudo o que torna Endless especial. O solo de guitarra no clímax é arrebatador, enquanto o final cinematográfico fecha o álbum com chave de ouro.

Endless é uma obra que combina emoção, técnica e acessibilidade de maneira exemplar. Cada faixa contribui para a coesão do álbum, criando uma experiência que é ao mesmo tempo dinâmica e profundamente satisfatória. Com sua abordagem inovadora e raízes firmemente plantadas no prog metal clássico, o DGM entrega um álbum que não só consolida sua posição no gênero, mas também desafia os limites da música progressiva moderna.

Se você aprecia bandas como Dream Theater e Symphony X, ou simplesmente busca uma experiência musical que una técnica e alma, Endless é um álbum indispensável. E está disponível no Brasil, pela Shinigami Records.

Nota: 9,5/10

Gênero: Prog Metal

Songs / Tracks Listing

1. Promises (5:16)
2. The Great Unknown (7:03)
3. The Wake (7:29)
4. Solitude (5:27)
5. From Ashes (5:35)
6. Final Call (6:10)
7. Blank Pages (5:02)
8. ...of Endless Echoes (14:21)
Total Time 56:23
Line-up / Musicians

- Mark Basile / vocals
- Simone Mularoni / guitars
- Emanuele Casali / keyboards
- Andrea Arcangeli / bass
- Fabio Constantino / drums

Releases information
Label: Frontier Music src

Onde ouvir: Plataformas de streaming e mídia física, disponível no Brasil pela Shinigami Records.

Turbulence - Binary Dream (2024)

Turbulence é uma banda de metal progressivo criada em 2003 em, Beirute, Líbano. A banda surgiu durante um período intenso e de efervescência cultural e social na região. São influenciados por uma ampla gama de estilos musicais, que vão desde bandas de metal progressivo como Dream Theater, Opeth, Haken, Leprous e Shadow Gallery até elementos da rica tradição musical árabe. Suas letras, muitas vezes, refletem as complexidades da vida no Oriente Médio, abordando questões como identidade, conflito, esperança e resiliência. Essa combinação de elementos líricos profundos e música complexa e emotiva ressoou com uma ampla gama de ouvintes, tanto na região quanto internacionalmente.

Uma das principais características da banda é a sua habilidade de incorporar em seu som, instrumentos tradicionais árabes, como, por exemplo, o oud e o kanun. Esses instrumentos adicionam uma textura única às suas composições, criando um som que é ao mesmo tempo familiar e singular. A fusão desses elementos tradicionais com o poder e a técnica do metal progressivo criam uma identidade sonora que é instantaneamente reconhecível.

Na condição de uma banda de metal no Oriente Médio, os desafios enfrentados são significativos e multifacetados, tais como, restrições culturais e sociais, tendo em vista que em muitos países do Oriente Médio o metal pode ser visto com desconfiança pelas autoridades e por partes da sociedade, escassez de espaços para shows já que a maioria dos locais são relutantes em hospedar eventos de música pesada, pressões externas, como críticas de conservadores ou fundamentalistas religiosos que veem o metal como uma influência negativa. Porém, apesar disso tudo, a capacidade da banda em se adaptar e superar as adversidades acaba sendo algo inspirador.

Três anos após, Frontal, seu disco anterior - e que considero o melhor disco de metal progressivo de 2021 - a banda retorna ao cenário por meio de Binary Dream, seu terceiro álbum. A incorporação de riffs pesados dá ao álbum uma agressividade acentuada, enquanto as complexidades rítmicas que se entrelaçam ao longo das faixas exigem uma boa atenção do ouvinte para que sejam apreciadas de forma plena. A mistura de faixas vocais e instrumentais (3 das 9), mostra uma clara intenção de equilibrar expressividade lírica com demonstrações de virtuosismo instrumental. Isso permite que o disco capture uma gama mais ampla de emoções e temas, refletindo os contrastes entre introspecção e explosão, além de ordem e caos.

O disco é um registro conceitual que explora temas futuristas e reflexões éticas através da história de um robô que dá nome ao disco e que está envolvido em um experimento. A história é um reflexo artístico das preocupações contemporâneas sobre a ascensão das tecnologias de inteligência artificial e seus potenciais impactos na sociedade. Ao escolher um robô como protagonista, a banda mergulha no coração das questões éticas que cercam a inteligência artificial: o que significa ser "consciente", a natureza da autonomia e o potencial para máquinas transcenderem seus parâmetros de programação originais.

Considero quatro os grandes destaques do disco - o que não quer dizer que as outras cinco também não tenham os seus méritos. "Theta" possui vocais que mesclam o metal e o hard rock, riffs poderosos e solo adequado de guitarra, uma seção rítmica robusta e teclado que permeia a peça dando uma atmosfera envolvente. Uma faixa que não apenas se destaca como uma música poderosa dentro do álbum, mas também exemplifica a habilidade da banda em tecer complexidade técnica com expressão emocional, criando uma peça que é tanto impactante quanto muito bem construída.

"Manifestations" é uma faixa instrumental que embora obviamente não contenha letras, expressa muito através de uma exibição técnica que serve como uma verdadeira amostra do metal progressivo em sua forma mais pura, demonstrando a capacidade da banda de dominar e manipular complexidades técnicas para tecer uma narrativa sonora rica e envolvente. Fãs de Dream Theater certamente se sentirão familiarizados ao ouvir esta música. "Manifestation" é erguida sobre um alicerce de habilidades instrumentais excepcionais. Cada integrante traz uma contribuição única, tecendo juntos um mosaico sonoro que é ao mesmo tempo complexo e unificado.

"Binary Dream" é o épico do disco com os seus mais de 14 minutos. Ela possui tudo que podemos esperar de um clássico exemplo de metal progressivo. Desde o início, cativa o ouvinte com uma construção elaborada que gradualmente se desenrola gerando tensão na medida em que avança. Os vocais são impactantes, os riffs de guitarra são poderosos e intrincados, alternando entre momentos de intensidade pura e reflexão contemplativa, enquanto que a seção rítmica fornece uma base sólida e dinâmica, impulsionando a música em direção a picos emocionais vertiginosos. Vale destacar também, a influência na música do Oriente Médio e que faz da banda algo tão singular dentro do gênero.

"Hybrid"é o momento mais “pauleira” do disco. Menos progressiva, possui uma inclinação quase que inteiramente para o heavy metal, apresentando uma abordagem direta e poderosa. A seção rítmica é avassaladora, estabelecendo um groove pulsante, os riffs de guitarras são frenéticos e agressivos e o solo possui influência na música do Oriente Médio, enquanto que o teclado cria uma ótima atmosfera que complementa bem a ferocidade da peça.

Embora Binary Dream possa não apresentar uma mudança radical em relação ao disco anterior, a capacidade da banda de se destacar dentro do metal progressivo é notável. Mesmo em um cenário onde muitos – incluindo eu - argumentam está saturado, a banda consegue entregar um trabalho que se destaca pela sua singularidade e qualidade. Portanto, mesmo que Binary Dream não represente uma reinvenção do gênero, é um testemunho da habilidade e criatividade de uma banda diferenciada.

NOTA: 8,5/10

Gênero: Metal Progressivo

Faixas:

1. Static Mind - 1:31

2. Theta - 5:04

3. Time Bridge - 1:53

4. Manifestations - 6:28

5. Ternary - 4:17

6. Binary Dream - 14:06

7. Hybrid - 6:07

8. Corrosion - 5:45

9. De Erosion - 3:31

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

Opeth - The Last Will and Testament (2024)

                              

Sou um grande admirador do Opeth, mas preciso admitir que seu novo álbum, The Last Will and Testament, me pegou completamente desprevenido. Sem eu saber de qualquer anúncio prévio, acordei e me deparei com uma enxurrada de críticas nos principais sites de rock progressivo. Para minha surpresa, quase todas eram unânimes em elogiar a obra, destacando sua qualidade e criatividade. É impressionante como o Opeth consegue se reinventar com tamanha maestria, mantendo a essência que o torna tão especial para os fãs.

Este novo trabalho é um disco conceitual, algo que a banda não explorava desde Still Life em 1999. Segundo Mikael Åkerfeldt, houve uma influência na série Succession para criar a narrativa que gira em torno de uma reunião familiar convocada para a leitura do testamento de um patriarca, revelando os dramas humanos que emergem nesse cenário. Conflitos, segredos e tensões ganham destaque enquanto os personagens lidam com questões como ganância, traição, amor, perda e os efeitos das escolhas passadas. Mais do que dividir bens materiais, a leitura do testamento traz à tona verdades sombrias, alterando para sempre as relações entre os presentes. Diferente de histórias com temas sobrenaturais ou fantasiosos, o álbum aposta em um enfoque mais realista.

Musicalmente, The Last Will and Testament é um equilíbrio perfeito entre as fases mais pesadas e progressivas do Opeth. O álbum conta ainda com colaborações notáveis, como a participação de Ian Anderson, cuja narração e solos de flauta enriquecem a experiência. Cada faixa reflete o estado emocional ou o avanço da trama, tornando o álbum quase uma experiência cinematográfica. O epílogo, com um toque agridoce, sugere que, apesar das revelações, nem todos os personagens encontram redenção ou paz, deixando no ar uma sensação de inquietação que ressoa com a profundidade da história.

"§1", a introdução é marcada por um clima sombrio, com o som de passos ecoando e o ranger de uma porta que se abre, prenunciando o que está por vir. A música emerge de uma atmosfera sombria e misteriosa, crescendo rapidamente para uma explosão frenética de riffs pesados e uma densidade sonora impressionante. Mikael Åkerfeldt entrega vocais cheios de fúria e intensidade, mas também há momentos de contraste, onde linhas melódicas se entrelaçam, criando uma rica tapeçaria emocional. Um excelente começo de disco. 

"§2" inicia de forma delicada, com suaves notas de órgão que evocam uma atmosfera introspectiva e quase etérea. No entanto, essa calmaria logo dá lugar a uma sonoridade poderosa e impactante, onde a banda, mais uma vez, demonstra sua habilidade em transitar entre passagens melódicas e explosões de agressividade. Enriquecendo ainda mais a composição, narrativas faladas por Ian Anderson e Joey Tempest (Europe) adicionam camadas de profundidade, elevando a experiência sonora.

"§3", desde os primeiros acordes, a faixa apresenta uma abordagem distinta em relação às anteriores, evidenciando uma estrutura marcada pela alternância de tempos e assinaturas rítmicas intrigantes. Em contraste com a intensidade que permeia as anteriores, esta se destaca por uma fluidez mais contida e uma construção mais suave. À medida que a composição avança, parece se encaminhar para um desfecho climático, mas surpreende ao escalar em intensidade apenas para encerrar de maneira abrupta.

"§4", esta faixa abriga um dos meus riffs de guitarra favoritos de todo o disco e que ganha ainda mais força ao ser sustentado por uma seção rítmica sólida e teclados muito bem construídos. O interlúdio é um momento de brilhantismo a parte, começando de forma suave, com uma atmosfera sombria e conduzido pela flauta mágica de Ian Anderson. Aos poucos, essa passagem cresce em intensidade, atingindo um ápice de explosividade e agressividade antes de retornar de maneira magistral ao riff de guitarra inicial, encerrando assim, o ciclo com perfeição. 

"§5", preserva a intensa carga emocional de sua antecessora, mas segue por caminhos próprios, onde a banda demonstra uma clara ousadia técnica. Aqui, a banda brinca com assinaturas rítmicas mais complexas e mudanças abruptas de tonalidade que pode querer surpreender o ouvinte a cada instante. O destaque vai para os solos intrincados e as passagens instrumentais elaboradas, que parecem intencionalmente projetadas para evocar uma sensação de caos controlado e imprevisibilidade, mantendo o ouvinte sempre à beira da expectativa.

"§6", inicialmente envolve o ouvinte com suavidade. No entanto, essa calmaria inicial logo dá lugar a uma explosão de intensidade, uma transição que impressiona pela sua força. A energia do som se combina com uma melodia que pulsa, quase como se estivesse viva. Conforme a música avança, os vocais se erguem com uma intensidade avassaladora, rasgando a paisagem sonora como o impacto devastador de uma colisão de dois trens. Destaque também paras os dois solos viscerais da música, um de sintetizador e o outro de guitarra, mostrando que o talento de Åkerfeldt não está apenas em seu canto. 

"§7" novamente exemplifica com elegância a capacidade da banda de alternar entre atmosferas etéreas, quase oníricas, e explosões intensas de agressividade, criando uma experiência imprevisível. Åkerfeldt conduz essa jornada com maestria, sua voz oscilando entre guturais potentes, que evocam força e brutalidade, e passagens limpas, carregadas de uma emoção tocante que revela uma dualidade fascinante. O ápice da faixa chega com o tema final, marcado por uma linha sinfônica grandiosa, que não apenas amplifica o drama, mas também encerra a peça com um grande peso emocional.

"A Story Never Told" encerra o disco de forma marcante, com uma abordagem introspectiva que evoca as atmosferas de trabalhos como Pale Communion e Sorceress. Os arranjos cristalinos e bem construídos criam uma sensação de transparência e leveza, enquanto os vocais limpos e emotivos de Åkerfeldt adicionam um toque de vulnerabilidade à música. A faixa se desenrola como uma contemplação final, envolvendo o ouvinte em um clima de reflexão e melancolia sutil. É um encerramento emocionante, que não apenas completa o álbum, mas também deixa uma impressão duradoura, permanecendo no ouvinte muito além de seus últimos acordes.

The Last Will and Testament é um exemplo sublime da fusão entre o peso visceral do metal e a complexidade envolvente do progressivo. As influências clássicas da banda se entrelaçam com excelentes experimentações, dando vida a um panorama sonoro que se desdobra de forma profundamente teatral e como a história pede. O álbum captura com perfeição tanto a brutalidade quanto a beleza e a sofisticação da narrativa que o conduz, equilibrando força crua e elegância melódica em um verdadeiro deleite auditivo. E o ouvinte? Ele é conduzido como parte integrante dessa experiência, imerso em cada detalhe emocional e técnico que permeia suas oito faixas, podendo absorver camadas de som e significado a cada nova audição.

NOTA: 10/10

Gênero: Metal Progressivo, Death Metal

Faixas:

1. §1 (6:11)

2. §2 (5:40)

3. §3 (5:11)

4. §4 (7:05)

5. §5 (7:35)

6. §6 (6:16)

7. §7 (6:28)

8. A Story Never Told (7:10)

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

Caligula’s Horse - Charcoal Grace (2024)

                              

Os australianos do Caligula’s Horse chegam ao seu sexto álbum, Charcoal Grace, trazendo uma surpresa não apenas em sua formação, mas também na profundidade emocional e musical do trabalho. Após a saída do guitarrista Adrian Goleby, a banda decidiu seguir como um quarteto, composto por Jim Grey nos vocais, Sam Vallen na guitarra, Dale Prinsse no baixo e Josh Griffin na bateria. A decisão de dispensar a guitarra rítmica, que esteve presente em todos os outros cinco álbuns da banda, marca uma nova fase criativa.

Embora Charcoal Grace só tenha sido lançado no final de janeiro de 2024, a sua concepção começou em 2020. Após o lançamento de Rise Radiant e a interrupção das turnês devido à pandemia, a banda aproveitou o tempo para compor. O resultado é um álbum que reflete uma profunda carga melancólica e introspectiva que captura o impacto da pandemia e oferece uma experiência rica em contrastes entre o obscuro e o luminoso. Como Jim Grey descreve, Charcoal Grace nasce da desesperança estática que a pandemia impôs à banda e ao mundo. É um álbum que avalia as experiências e resultados desse tempo, avançando em direção a um futuro mais esperançoso após lidar com o maior revés que a banda já experimentou.

A faixa de abertura, "The World Breathes with Me", com seus 10 minutos, estabelece o tom do álbum com uma introdução de guitarra sutil que evolui para uma explosão de peso, embora de maneira um pouco mais suave do que o habitual para o grupo. A música é marcada por constantes mudanças e um desenvolvimento cuidadoso dentro de uma paleta de cores que vai das mais sombrias às mais luminosas, sempre bem orientada. "Golem" é a faixa mais pesada e direta do álbum, com riffs impressionantes de guitarra e uma seção rítmica dinâmica. Os vocais são polidos nos versos e enérgicos nos refrãos, trazendo uma carga emotiva que convida o ouvinte a cantar junto.

O epicentro do álbum é a faixa título, dividida em quatro partes que totalizam cerca de 24 minutos de uma jornada musical impressionante. "Charcoal Grace I: Prey", a maior das partes, começa com arpejos de guitarra e evolui para uma atmosfera sólida e quase orquestral, com vocais melódicos que adicionam uma harmonia triste à peça. A música é uma combinação equilibrada de agressividade e suavidade, enquanto entrega um refrão cativante. "Charcoal Grace II: A World Without" inicia com arpejos de violão e gradualmente se constrói com notas de guitarra e bateria, criando um ambiente enérgico e sussurrante. O solo de guitarra é um destaque que eleva a faixa a um novo nível. 

"Charcoal Grace III: Vigil" é a parte mais suave do épico, começando com violão, voz e notas suaves de baixo. A música mantém uma constante emotiva e sutil, tanto instrumentalmente, quanto nos vocais, sem explodir como se poderia esperar. "Charcoal Grace IV: Give Me Hell" é a parte mais sombria e intensa, com uma seção rítmica pulsante, uma guitarra poderosa e vocais carregados de raiva, incluindo um solo de guitarra matador. As quatro partes de "Charcoal Grace" exploram a narrativa da convivência – ou a falta dela – entre uma criança e seu pai. A forma como a história se desenvolve é reminiscente dos trabalhos mais conceituais do Marillion, especialmente Brave, e a música reflete as variações emocionais da narrativa.

Após o épico, "Sails" oferece um respiro com sua beleza melancólica e dramática. É uma das baladas mais impressionantes da banda, destacando-se como talvez o momento mais emocionante do álbum. "The Stormchaser" é uma faixa equilibrada e um dos singles do álbum e que resume bem a essência da obra como um todo por meio de excelentes linhas vocais. O álbum se encerra com "Mute", uma faixa que demonstra a maestria vocal de Jim Grey e apresenta uma sonoridade enérgica e orquestral. Com 12 minutos de duração, a música oferece uma montanha-russa de emoções, desde momentos pesados até outros suaves e reflexivos. O uso de flauta, reminiscente do Genesis da era Peter Gabriel, é uma surpresa agradável e um detalhe que enriquece ainda mais o disco.

Charcoal Grace é um dos álbuns mais marcantes do catálogo do Caligula’s Horse, mostrando que mesmo dentro de um nicho onde inovações são cada vez mais raras, a banda consegue entregar um trabalho fresco e emocionante. Um álbum tocante, com músicas sagazes, bem construídas e verdadeiramente progressivas.

NOTA: 9,3/10

Gênero: Metal Progressivo

Faixas:

1. The World Breathes with Me - 10:00
2. Golem - 5:20
3. Charcoal Grace I: Prey - 7:48
4. Charcoal Grace II: A World Without - 6:48
5. Charcoal Grace III: Vigil - 3:22
6. Charcoal Grace IV: Give Me Hell - 6:13
7. Sails - 4:31
8. The Stormchaser - 5:57
9. Mute - 12:00

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

Wheel - Charismatic Leaders (2024)

                              

Wheel é uma banda finlandesa de metal progressivo formada em 2015 na cidade de Helsinki por James Lascelles. Desde sua formação, a banda tem se destacado no cenário, conquistando uma base de admiradores que apenas cresce e vem recebendo elogios tanto da crítica especializada de grandes veículos, quanto de portais independentes. A sonoridade da banda, caracterizada por estruturas musicais complexas, riffs intensos e letras profundas tem atraído a atenção de muitos entusiastas da música pesada e progressiva.

Para os ouvintes de primeira viagem, Wheel oferece uma experiência musical que pode ser comparada à atmosfera de bandas consagradas como Karnivool e Tool. Essa comparação surge principalmente devido à forma intrincada com que os ritmos de suas músicas são construídos e ao ar sombrio e introspectivo que permeia suas composições. Assim como as duas bandas citadas, Wheel utiliza mudanças de tempo complexas, dinâmicas contrastantes e uma profundidade extremamente emocional tanto em suas letras quanto em seus arranjos.

Em seu terceiro disco, Charismatic Leaders, a banda proporciona uma avalanche de melodias pesadas e intoxicantes, repletas de dinamismo, técnica e diversidade. O álbum destaca-se pela combinação de riffs intricados, seções rítmicas desafiadoras e harmonias ricas, tudo isso sobre um vocal poderoso. Cada faixa é uma demonstração do domínio da banda em relação ao metal progressivo e sua capacidade de criar atmosferas sonoras que são ao mesmo tempo intensas e cativantes.

"Empire", a faixa de abertura, já entrega ao disco uma sonoridade ardente, estabelecendo o tom para o que está por vir. Sua seção rítmica brutal, seus riffs enérgicos e vocais cativantes, além de sua complexidade e intensidade, refletem a habilidade da banda em mesclar técnica e emoção, criando uma experiência auditiva poderosa e envolvente. Um início de disco que não apenas soa impactante, mas também exemplifica a essência do que torna Charismatic Leaders uma peça valiosa de metal progressivo. "Porcelain" possui uma excelente variação entre linhas instrumentais belas e requintadas e seções brutais e rudes. Essa alternância cria uma dinâmica ótima, onde momentos de suavidade e delicadeza são intercalados com explosões de intensidade e força. A habilidade da banda em equilibrar esses contrastes demonstra não apenas sua versatilidade, mas sua capacidade de evocar uma ampla gama de emoções. Uma peça que se destaca pela maneira que encapsula a essência do metal progressivo e sua complexidade técnica com muita profundidade emocional.

"Submission" é a primeira das duas faixas do disco que ultrapassam a marca dos 10 minutos. Caracterizada por múltiplas ideias muito bem organizadas e arranjadas, a peça é uma alternância entre momentos melódicos envolventes e passagens agressiva e intensa. A banda transita fluidamente entre esses diferentes estados de humor, proporcionando uma experiência auditiva rica e dinâmica. A complexidade da composição e a precisão dos arranjos contribuem para a profundidade emocional da música, tornando-a uma peça central e impactante dentro do álbum. "Saboteur" é a música mais pesada do disco, trazendo uma entrada impressionante por meio de um riff infernal de guitarra e que estabelece imediatamente o tom agressivo e intenso da faixa. Porém, apesar de toda a sua agressividade, a peça também apresenta uma melodia cativante e envolvente, mostrando um ótimo equilíbrio entre brutalidade e acessibilidade melódica. Essa combinação que a torna poderosa e memorável faz com que "Saboteur" seja um dos destaques do disco. 

"Disciple" destaca-se com seus riffs nervosos de guitarra, uma seção rítmica pulsante e vocais claros e enérgicos. A banda entrega uma música sombria, mas que ao mesmo tempo soa metálica e cativante. A combinação desses elementos cria uma atmosfera intensa e envolvente, onde cada componente contribui para uma experiência auditiva poderosa e memorável. "Caught in the Afterglow" é um pequeno interlúdio acústico de atmosfera sinistra e de pouco mais de um minuto de duração. "Freezer" é a música de encerramento do álbum e a outra faixa que ultrapassa a marca dos 10 minutos. Começa de forma tímida, com uma melodia melancólica que lentamente evolui para algo violento e destruidor, mantendo uma atmosfera sombria ao longo de sua progressão. A transformação gradual da música, de um início introspectivo para uma explosão de intensidade, mostra um excelente desenvolvimento de narrativa complexa e emocionalmente ressonante. É uma conclusão de álbum simplesmente poderosa, deixando uma impressão duradoura ao mesclar delicadeza e brutalidade em uma composição lindíssima. Um final apoteótico para o disco

Às vezes, o metal progressivo pode ser refém de um estereótipo onde a técnica apurada de cada instrumentista faz com que muitas pessoas evitem se aproximar do gênero por achar suas músicas sem alma ou frias e sem sentimento. No entanto, Charismatic Leaders quebra esse molde, evitando excessos ou malabarismos e mantendo o ouvinte realmente absorvido por melodias impactantes. O disco equilibra complexidade técnica com acessibilidade, criando peças sofisticadas e atraentes. Esse equilíbrio acaba atraindo tanto os aficionados por metal progressivo, quanto novos ouvintes que podem se surpreender com a profundeza dramática e a clareza melódica do disco.

NOTA: 9,1/10

Gênero: Metal Progressivo

Faixas:

1. Empire - 4:20
2. Porcelain - 7:12
3. Submission - 10:46
4. Saboteur - 9:01
5. Disciple - 4:12
6. Caught in the Afterglow - 1:12
7. The Freeze - 10:35

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube