Pearl Jam - Dark Matter (2024)

                        

Ao mencionar o Pearl Jame estou evocando o ponto de partida da minha relação profunda com o mundo do rock. Remonto a um momento marcante de 1992 quando me deparei com o videoclipe de Jeremy. Aquela narrativa visual culminando em um desfecho poderoso foi como uma revelação para mim, despertando um interesse imediato e visceral pelo grupo. Foi um momento crucial onde minha conexão com a música e a expressão artística atingiu um novo patamar.

Nos meses seguintes, fui cativado ainda mais pela presença do Pearl Jam quando a MTV exibiu a icônica performance de Porch no Pinkpop. A energia, paixão e a autenticidade da banda eram palpáveis e eu me vi totalmente absorvido pela experiência musical. Logo depois, o Unplugged MTV me ofereceu uma perspectiva mais íntima e crua da musicalidade do grupo, consolidando ainda mais minha admiração.

Dark Matter chega como o 12º disco de estúdio da banda – o que considero pouco para uma carreira discográfica de 33 anos. Mas de qualquer forma – e o mais importante de tudo -, eles parecem querer continuar soando relevantes ao entregar um disco cheio de dinamismo, frescor e de uma sonoridade que mantém sua música envolvente durante todos os seus cerca de 48 minutos divididos em 11 canções. Apenas um adento, se você é daquelas pessoas que até hoje evocam discos como Ten ou VS para comparar com álbuns mais recentes da banda, não sei o que o que você faz ouvindo-os ainda, agora se você compreende o que é o Pearl Jam hoje em dia, certamente Dark Matter vai atingi-lo da melhor forma possível.

"Scared Of Fear" abre o disco entregando uma vibração clássica da banda, vocais enérgicos, guitarras cativantes e uma seção rítmica sólida, precisa e sincronizada que sustenta o ritmo da faixa muito bem. "React, Respond" mantém o disco dentro de uma sonoridade de alta voltagem, com refrão chiclete e uma linha instrumental maciça. A faixa captura a energia crua da banda, combinando riffs intensos e ritmos pulsantes. "Wreckage" é uma balada que se destaca no álbum por seu estilo emocional e envolvente. Por meio de sua estrutura estilística a música parece prestar homenagem a Tom Petty ao incorporar elementos de sua abordagem distinta à composição e à performance.

"Dark Matter" é uma das peças mais pesadas do álbum. Seção rítmica penetrante, riffs encorpados de guitarra e um solo ao melhor estilo Mick McCready, um cara que nunca foi um “guitar hero”, porém, sempre entendeu bem o que é necessário pra soar marcante dentro da banda. "Won't Tell" é outra balada do álbum que embora não seja tão impactante quanto "Wreckage", ainda oferece uma experiência de qualidade. A faixa se destaca por sua batida constante e envolvente, proporcionando uma base sólida. É enriquecida com o acréscimo de alguns leves toques de sintetizadores.

"Upper Hand" possui uma introdução bastante atmosférica de mais de um minuto e meio feita por sintetizadores e guitarra até entregar mais uma peça em ritmo lento. Os floreios de guitarra solo são belíssimos e exemplificam exatamente o que eu disse na faixa anterior. "Waiting For Stevie" me fez sentir uma grande “vibração grunge” encontrada em discos – da banda ou não – da primeira metade dos aos 90. Talvez a produção mais polida possa atrapalhar um pouco essa percepção, mas basta se concentrar e perceber que o grunge clássico, digamos assim, está ali.

"Running" é outro dos momentos mais pesados do disco. Assim que começou foi impossível não lembrar de Rearviewmirror, clássica faixa do disco VS. Possui a melhor seção rítmica do álbum e alguns dos vocais mais raivosos. As guitarras como sempre soam perfeitas, tanto nos riffs quanto nos solos. "Something Special", após a “violência” da faixa anterior, tudo suaviza de novo por meio de uma peça em que Vedder faz um aceno para as suas filhas. Nota-se uma boa influência na música country moderna.

"Got To Give" é um daqueles velhos exemplos em que o básico pode funcionar muito bem, um rock and roll direto e objetivo que apresenta uma abordagem clássica que é ao mesmo tempo empolgante e envolvente. O acréscimo de algumas linhas de piano encaixou muito bem. "Setting Sun" é a faixa de encerramento. Novamente há uma boa vibração country e entrega um fechar de cortinas extremamente aconchegante para o disco.

Dark Matter apresenta um Pearl Jam confiante e com uma sonoridade totalmente própria e característica. A banda demonstra que embora valorize suas raízes e tenha respeito por sua história, não deixa de buscar novas perspectivas em sua arte. No mais novo capítulo de sua história, a banda entrega uma celebração da sua identidade e que tem a capacidade ressoar positivamente tanto nos fãs de longa data, quanto com novas gerações de ouvintes.

NOTA: 7,2/10

Gênero: Rock Alternativo, Hard Rock

Faixas:

1. Scared of Fear – 4:24
2. React, Respond – 3:30
3. Wreckage – 5:00
4. Dark Matter – 3:31
5. Won't Tell – 3:28
6. Upper Hand – 5:57
7. Waiting for Stevie – 5:41
8. Running – 2:19
9. Something Special – 4:06
10. Got to Give – 4:37
11. Setting Sun – 5:43

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

30 anos de: Mellon Collie and the Infinite Sadness - The Smashing Pumpkins (1995)

                                        

Mellon Collie and the Infinite Sadness é o terceiro álbum de estúdio do Smashing Pumpkins e um dos trabalhos mais influentes da década de 1990. O álbum duplo é uma obra que transcende os limites do rock alternativo, explorando uma vasta gama de estilos musicais que vão do rock pesado e grunge às baladas introspectivas, além de passar por influências de música clássica, eletrônica e até traços de pop experimental. 

O disco é marcado por uma estética onírica e surreal na maneira como ele foi idealizado ao ser feito para ser ouvido como uma experiência imersiva e coesa, sendo mais do que uma simples coleção de músicas uma após a outra. Mellon Collie and the Infinite Sadness é um verdadeiro testemunho da ambição artística da banda e onde ela se consolida como um dos nomes mais relevantes e inovadores do rock alternativo – ainda que o disco vá muito além disso. Suas 28 faixas se tornaram um retrato da década e garantiram ao álbum um legado atemporal que continua a ressoar profundamente.

Billy Corgan apresentou o disco como um retrato da "condição humana" visto pelos olhos de um jovem em plena transição para a vida adulta. Sua intenção foi construir uma obra que capturasse a profundidade emocional da juventude — marcada pela intensidade das paixões, pelas incertezas e pela incansável busca por propósito. Ainda assim ele buscou ir além do contexto pessoal ou geracional ao criar algo que ressoasse de forma universal e atemporal.

O álbum é um equilíbrio entre extremos emocionais e sonoros. Ele alterna momentos de raiva visceral e energia explosiva com passagens de melancolia delicada que são pontuadas por breves respiros de otimismo contemplativo. Essa dualidade cria um mosaico de emoções que reflete não apenas os altos e baixos de uma fase específica da vida, mas também as experiências humanas que nos conectam através do tempo. O resultado é uma narrativa musical que captura tanto a urgência de um momento quanto a essência das emoções que nos tornam quem somos.

Os dois discos que compõem o álbum, Dawn to Dusk e Twilight to Starlight, funcionam como capítulos complementares de uma narrativa metafórica muito bem construída. Dawn to Dusk, o primeiro disco, é uma ode ao nascer e ao declínio do dia, simbolizando os momentos de euforia, descoberta e as lutas iniciais da vida. Já Twilight to Starlight mergulha no mistério envolvente da noite e no brilho distante das estrelas, algo que serve como uma representação mais profunda e contemplativa. Ele explora temas como introspecção, perda, amadurecimento e finalmente a aceitação. 

Juntos esses dois capítulos criam um ciclo emocional e temático que espelha as dualidades da existência como luz e sombra, caos e calma, alegria e tristeza, sempre dentro de um panorama musical e lírico que é tanto grandioso quanto intimista. Essa estrutura não apenas dá coesão à obra, mas também reforça sua universalidade e permite que cada ouvinte encontre fragmentos de sua própria jornada ao longo desse percurso artístico.

Billy Corgan revelou que Mellon Collie... foi bastante inspirada por The Wall e The White Album. Ele desejava que o disco funcionasse como um feito artístico que expressasse tanto a identidade criativa da banda quanto uma ampla gama de emoções e temas que ressoassem com o público. Essa ambição resultou em um álbum original e que soube explorar novos territórios sonoros enquanto ainda preservava a essência do rock alternativo da banda. De certa forma, podemos dizer que Corgan via o álbum como uma oportunidade de marcar uma geração e tentar capturar a intensidade da juventude e traduzi-la em algo atemporal. Essa abordagem que mesclava inovação e introspecção se posicionou como uma das maiores realizações artísticas do rock dentro de uma década cheia de clássicos. 

O álbum contém 28 faixas, então eu não irei abordar cada uma delas. Em vez de me estender sobre todas as músicas eu vou destacar algumas faixas. Em Dawn to Dusk, o primeiro disco, "Tonight, Tonight" rouba a cena por meio de sua linha orquestrada emocional que mistura uma espécie de sensação de euforia e esperança com uma melancolia suave e introspectiva. A faixa captura perfeitamente a ideia de uma luta interna em busca de algo mais profundo e significativo.

"Jellybelly" é uma faixa bastante crua, caótica e sem dúvida é uma das composições mais intensas do álbum ao carregar uma atmosfera quase claustrofóbica que reflete a confusão interna de uma luta por identidade. A música encapsula um sentimento de descontrole, como se alguém estivesse preso em uma tempestade de pensamentos e emoções conflitantes. Possui uma letra que é bastante direta e que completa essa sensação de desorientação causada pela música, transmitindo uma visão de alguém que tenta de toda forma encontrar sentido no núcleo de uma desordem completa da vida. 

“Zero” é uma das faixas mais marcantes não apenas do primeiro disco ou do álbum como um todo, mas de toda a carreira do grupo. Bastante enérgica devido a abordagem do seu tema central - que em meio a uma sonoridade crua, mergulha no vazio existencial e explora o desespero de se sentir preso em um ciclo interminável de apatia e frustração -, a peça entrega uma sonoridade visceral que parece gritar intensamente tanto quanto as palavras de Corgan.

"Bullet with Butterfly Wings" é o maior hino da banda, sendo sua música mais tocada na história dos concertos do grupo. A mistura de guitarras pesadas e vocais intensos, além de uma composição sombria cria uma atmosfera que não apenas expressa essa raiva, mas também canaliza uma energia catártica. Ao mesmo tempo que é uma música que dá voz ao desespero, ela também carrega um fio de determinação, o que faz dela um dos momentos mais poderosos do disco e de toda a carreira da banda. 

"Muzzle" é uma das minhas músicas preferidas da banda. Possui algumas ótimas transições entre os versos e o refrão, criando assim, um excelente equilíbrio entre tensão e libertação que se apoia em guitarras pulsantes e uma bateria e baixo marcante que criam uma base rítmica dinâmica, enquanto Corgan entrega uma de suas melhores performances vocais no disco, soando em um tom de muita paixão e emocional. Dentro dessa energia vibrante existe uma letra que traz reflexão sobre a liberdade pessoal e a busca por uma identidade mais autêntica.

"Cupid De Locke" atua como um momento de respiro dentro do fluxo intenso de Dawn to Dusk e que se destaca pelo seu contraste com as faixas mais pesadas do álbum. Musicalmente é construída sobre uma instrumentação de camadas suaves e que inclui texturas oníricas de cordas e alguns elementos percussivos discretos que criam uma atmosfera contemplativa. A narrativa é uma reflexão poética sobre o amor e o desejo enquanto se navega pelas incertezas da vida, soando bastante condizente com a sua sonoridade.

O segundo disco, Twilight to Starlight, também contem peças que se destacam, sendo uma delas, “1979”. Possui uma sonoridade distinta que combina muito bem o rock alternativo com o dream pop. A seção rítmica é simples, enquanto as guitarras são atmosféricas e os sintetizadores soam acolhedores. Sua vibe introspectiva fazem dela mais uma das faixas que possuem um contraste claro em relação às peças mais intensas do disco. Enquanto isso, Corgan pinta um retrato vívido de liberdade e descobertas juvenis, capturando tanto essa liberdade e as descobertas dessa fase quanto a sensação de perda que vem com sua passagem.

“Bodies” é uma das peças mais pesadas do disco. O contraste entre os momentos de explosão e breves instantes de pausa enfatiza ainda mais a energia crua da música. A performance vocal de Billy Corgan é desesperada e impetuosa, como se estivesse canalizando uma raiva interna e a transformando em som puro. Essa agressividade faz da faixa um dos momentos de mais catarse de todo o disco. A repetição de “Love is suicide” transmite uma visão crua e fatalista do amor ao explorar a sua natureza autodestrutiva, enquanto frustração, dor e a inevitabilidade de relações marcadas pelo sofrimento.

“Thirty-Three” é uma balada introspectiva e etérea que possui uma qualidade quase meditativa na progressão dos acordes que junto aos vocais contidos de Corgan transmite uma calma profunda, soando como se fosse o reflexo de uma aceitação emocional após períodos de turbulência. O arranjo é contido, mas profundamente expressivo e permite que cada elemento brilhe sem sobrecarregar a canção. É um momento de pausa e reflexão dentro do álbum e que traz um equilíbrio perfeito entre melancolia e esperança. Uma música que entrega uma sensação de paz após tempos turbulentos.

“X.Y.U.” com mais de sete minutos é a segunda música mais longa do disco – só ficando atrás de “Porceline Of The Vast Oceans” do disco um e que passa dos nove minutos. É mais um dos momentos mais caóticos do disco, alternando entre trechos furiosos e outros mais calmos, mas que aumentam a tensão da música. Possui uma seção rítmica agressiva e riffs densos de guitarra. Dentro desse turbilhão sonoro, uma letra cheia de imagens violentas e desconexas, soando como um grito primal de dor, traição e desespero e que reflete o lado mais sombrio do disco.

“In the Arms of Sleep” é uma balada melancólica que se apresenta como um dos momentos mais delicados do disco. Sua melodia conduzida por um violão cria uma atmosfera reconfortante, enquanto os vocais de Corgan soam de uma maneira contemplativa e que reforça o tom emocional de um trabalho lírico que aborda uma reflexão delicada sobre a necessidade de consolo em momentos de solidão.

“Tales of a Scorched Earth”, por mais que possa parecer inusitado, mas o seu início muito provavelmente pode ter servido de inspiração para o Dream Theater em “Panick Attack”. Com guitarras pesadas e vocais distorcidos, além de uma produção áspera, ela tem um ritmo implacável, onde as suas camadas de ruído criam uma sensação de desordem, porém, organizada. Apesar de sua abordagem brutal, há uma precisão na execução que evidencia a habilidade da banda em equilibrar o caos com a estrutura musical. Uma expressão niilista por meio de um grito de desespero e raiva e que exemplifica o tom mais sombrio de Twilight to Starlight.

Mais do que um simples álbum de rock alternativo, Mellon Collie and the Infinite Sadness é uma obra que transcendeu barreiras musicais e se tornou um marco cultural e artístico. Essa diversidade não fragmentou o álbum, muito pelo contrário, ela o transformou em uma experiência coesa e que reflete de certa forma tanto os conflitos internos quanto os dilemas coletivos de uma geração. Mesmo 30 anos após seu lançamento, ele permanece tão relevante quanto no dia em que foi lançado. Um álbum que não apenas capturou o espírito dos anos de 1990, mas também se estabeleceu como um testemunho atemporal do talento extraordinário do Smashing Pumpkins. 

NOTA: 10/10

Gênero: Rock Alternativo

Faixas:

Dawn to Dusk:

1. Mellon Collie and the Infinite Sadness - 2:52

2. Tonight, Tonight - 4:14

3. Jellybelly - 3:01

4. Zero - 2:40

5. Here Is No Why - 3:44

6. Bullet With Butterfly Wings - 4:17

7. To Forgive - 4:16

8. An Ode to No One - 4:51

9. Love - 4:21

10. Cupid de Locke - 2:50

11. Galapogos - 4:46

12. Muzzle - 3:44

13. Porcelina of the Vast Oceans - 9:21

14. Take Me Down - 2:52

Twilight to Starlight:

1. Where Boys Fear to Tread - 4:23

2. Bodies - 4:12

3. Thirty-Three - 4:10

4. In the Arms of Sleep - 4:12

5. 1979 - 4:25

6. Tales of a Scorched Earth - 3:45

7. Thru the Eyes of Ruby - 7:38

8. Stumbleine - 2:54

9. X.Y.U. - 7:07

10. We Only Come Out at Night - 4:05

11. Beautiful - 4:18

12. Lily (My One and Only) - 3:31

13. By Starlight - 4:48

14. Farewell and Goodnight - 4:22

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

Asian Glow - 11100011 (2025)

                               

Preciso admitir que de certa forma a Coreia do Sul acabou me deixando um tanto mal-acostumado musicalmente – e não de forma positiva. Sempre que ouço falar sobre música desse país, minha mente associa quase automaticamente ao K-pop, um gênero que apesar da sua imensa popularidade, nunca conseguiu me prender nem mesmo por alguns poucos minutos. No entanto, ao ouvir artistas como Asian Glow, sinto-me aliviado ao perceber que o país também tem dado espaço para jovens com uma visão artística mais introspectiva e profunda, algo que foge das amarras da superficialidade. 

Shin Gyeongwon, mais conhecido pelo nome artístico Asian Glow, tem conquistado cada vez mais atenção na cena musical graças à sua abordagem bem elaborada. Sua música transita entre o pop alternativo, dream pop, indie rock e a música eletrônica, enquanto entrega também alguns toques experimentais. Além disso, ele incorpora de forma sutil e alguns instrumentos muito utilizados na música tradicional coreana, como o gayageum (instrumento semelhante a cítara) e o janggu (instrumento semelhante ao tambor).

Seu interesse pela música veio no início da adolescência quando aprendeu a tocar piano e guitarra, tendo rapidamente se interessado também por produção musical e experimentar softwares de áudio para criar suas primeiras composições. Duas de suas maiores influências são a cantora islandesa Bjork e o Aphex Twin. A explicação pela escolha do seu nome artístico está inerente a sua filosofia de vida, onde Asian é uma referência a Ásia, enquanto Glow simboliza luz de esperança, sugerindo assim, sua vontade de colocar nos holofotes mundiais a cultura asiática.

11100011 é o seu quinto disco e sem dúvida o seu trabalho mais homogêneo até o momento. Cada uma das faixas do álbum possui méritos próprios e contribui de maneira significativa para que como um todo haja um resultado satisfatório. Essa coesão é uma evolução em relação aos seus discos anteriores, que apesar de demonstrarem uma qualidade em suas maiores partes, também apresentavam algumas faixas que soavam menos inspiradas, onde embora não comprometesse totalmente a qualidade do trabalho, afetavam a experiência geral do ouvinte. 

O disco se inicia com "m0numental", uma faixa que embora não corresponda exatamente à grandiosidade sugerida pelo seu título, não deixa de possuir o seu charme. A peça entrega uma sonoridade etérea que se unem a camadas delicadas e texturas sonoras que parecem flutuar no ambiente, criando dessa forma uma atmosfera envolvente. Uma música que inicia o disco muito bem, não buscando necessariamente impressionar o ouvinte pelo impacto imediato, mas sim, conquistar pelo seu refinamento e sutileza.

"Feel All The Time" direciona o disco para um território mais sombrio e que faz o ouvinte mergulhar em uma sonoridade atmosférica que traz com ela um clima de mistério. Ao combinar texturas densas e uma melodia introspectiva, a faixa cria um contraste em relação à faixa de abertura, com isso, ela estabelece um tom mais profundo. Os arranjos evocam uma sensação de inquietude enquanto as nuances sutis na produção reforçam o caráter enigmático da composição.

"The Worst Way to Start an End" começa de forma delicada por meio de umas batidas suaves e teclados serenos que criam um clima de tranquilidade. No entanto, essa serenidade é abruptamente rompida quando a faixa adota uma sonoridade agressiva que é marcada por guitarras intensas e uma bateria visceral. A calmaria retorna momentaneamente, como se quisesse dar a oportunidade de um breve respiro para o ouvinte, mas logo dá lugar novamente a uma pegada mais pesada e que se mantém até o final. Essa alternância entre momentos de quietude e explosão confere à música um dinamismo envolvente e imprevisível.

"Out of Time" é uma faixa que se destaca por sua simplicidade, apresentando uma construção sonora repleta de camadas muito equilibradas, cada elemento contribui de forma sutil para o todo, sem que nenhuma camada se sobressaia mais do que as outras, o que acaba criando uma textura coesa e harmônica, além de permitir que a música flua com naturalidade e envolva o ouvinte sem excessos ou qualquer tipo de artifício. Este é aquele tipo de composição que o seu maior trunfo está justamente na sua clareza e maneira como cada detalhe encontra seu lugar dentro do conjunto.

"11100011" inicia-se com um dedilhado de violão que estabelece o tema principal de toda a faixa, sendo repetido e explorado ao longo de toda a composição. Apesar de sua estrutura simples e da ausência de grandes variações, a música ainda consegue manter um charme especial. A repetição do tema também pode dar ao ouvinte uma sensação de familiaridade reconfortante, enquanto as sutis camadas de arranjo e nuances na execução garantem que a faixa permaneça agradável.

"Camel8strike" apresenta tendências indietrônicas, algo que costuma não ser tão fáceis para mim de assimilar. No entanto é preciso reconhecer que a faixa não compromete a qualidade geral do disco. Pelo contrário, ela se desenvolve de maneira sólida dentro de sua proposta, explorando texturas eletrônicas e ritmos alternativos de uma maneira bastante consistente. Apesar de ser a que considero menos inspirada, sua inclusão no disco adiciona um toque de experimentalismo que complementa bem a experiência geral.

"Untitled *3" é uma daquelas músicas que não cativam de imediato e exiegem um gosto adquirido para ser apreciada de uma maneira mais plena. Sua construção pode parecer menos acessível em uma primeira audição, porém, depois passa a revelar camadas que se desvendam gradualmente com o tempo. É uma faixa que se mostra mais envolvente e significativa à medida que o ouvinte se familiariza com sua estrutura e atmosfera. Essa característica a torna um ponto interessante no álbum, pois soa como uma espécie de convite a uma exploração mais cuidadosa.

"Jitnunkebi (Winter's Song)”, com pouco mais de sete minutos é a faixa mais longa do disco e a minha favorita. Sua extensão permite uma exploração rica de diferentes sonoridades e que se entrelaçam de maneira orgânica ao longo de toda a sua extensão. Essa grande variação sonora a torna não apenas a mais completa do álbum, mas também a sua experiência mais memorável. Em cada transição, seja ela entre momentos mais suaves ou trechos de intensidade crescente, tudo é muito bem trabalhado, o que resulta em uma peça que sintetiza a essência do disco e destaca o talento de Asian Glow para criar peças emocionantes. 

"Dorothee Thines" encerra o disco com grande estilo, sendo também um dos seus destaques. A faixa traz uma energia contagiante que é construída por meio de uma fusão vibrante de elementos eletrônicos e percussivos que mantêm o ouvinte seduzido até o último segundo. Essa combinação não só reforça a diversidade sonora do álbum, mas também garante um final edificante. É uma conclusão que deixa uma impressão duradoura, afinal, ela encapsula como nunca o espírito criativo de Asian. 

No geral, 11100011 é um disco repleto de pontos fortes, onde entre alguns deles se destacam os sintetizadores que estão cuidadosamente distribuídos e adicionam mais vivacidade às faixas, enquanto as baterias são executadas com precisão e energia e os belos vocais conferem um toque emocional. No entanto, devo apontar um ponto fraco que não pode passar despercebido que é a sua produção, pois apesar de não comprometer o disco em seu geral, é um detalhe técnico que se tivesse sido melhor cuidado, melhoraria ainda mais a experiência em ouvi-lo. 

NOTA: 7,8/10

Gênero: Dream Pop, Rock Alternativo, Indie Rock

Faixas:

1. m0numental - 4:33

2. Feel All the Time - 4:24

3. The Worst Way to Start an End - 5:05

4. Out of Time - 3:34

5. 1110011 - 3:55

6. Camel8strike - 3:58

7. Untitled *3 - 3:20

8. Jitnunkebi (Winter's Song) - 7:09

9. Dorothee Thines - 5:11

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming

Charlotte Wessels - The Obssesion (2024)

Após sua saída do Delain, a cantora e compositora holandesa Charlotte Wessels traçou um caminho que é nada menos que inspirador. Se em Tales From Six Feet Under (Vol. 1 e 2) ela demonstrou sua versatilidade artística e criatividade sem limites, The Obsession marca um novo capítulo em sua carreira — mais maduro, mais ousado, e agora com o suporte da Napalm Records. Este é o álbum que confirma não apenas sua força como compositora, mas sua capacidade de transformar dor e superação em arte.

Produzido a partir de seu estúdio caseiro, Six Feet Under, mas elevado por um elenco de músicos talentosos, incluindo o ex-colega de banda Timo Somers nas guitarras, The Obsession encontra equilíbrio entre o peso do metal sinfônico e a sensibilidade de uma artista que está em constante evolução. É um trabalho que exala intensidade emocional, reflexões profundas e uma paleta sonora rica que vai do gótico ao progressivo, com pitadas pop em suas melodias.

Uma produção lapidada para emocionar

O álbum abre com a envolvente "Chasing Sunsets", uma faixa que mescla riffs pesados e orquestrações sofisticadas, evocando o melhor do metal sinfônico contemporâneo. Já "Dopamine", uma colaboração de tirar o fôlego com Simone Simons (Epica), é uma joia emocional. A canção não só destaca a química vocal entre as duas artistas como também reflete sobre as nuances da busca incessante por prazer e equilíbrio emocional. A parceria é marcante e digna de ser lembrada como um dos grandes momentos do gênero em anos recentes.

Confira "Chasing Sunsets":

Uma produção lapidada para emocionar

O álbum abre com a envolvente "Chasing Sunsets", uma faixa que mescla riffs pesados e orquestrações sofisticadas, evocando o melhor do metal sinfônico contemporâneo. Já "Dopamine", uma colaboração de tirar o fôlego com Simone Simons (Epica), é uma joia emocional. A canção não só destaca a química vocal entre as duas artistas como também reflete sobre as nuances da busca incessante por prazer e equilíbrio emocional. A parceria é marcante e digna de ser lembrada como um dos grandes momentos do gênero em anos recentes.

Confira "Dopamine":

A reimaginação de Soft Revolution

Entre os destaques está a nova versão de "Soft Revolution". Onde antes tínhamos delicadeza e introspecção, agora há um vigor quase cinematográfico. Os arranjos, aliados à performance vocal sublime de Wessels, transformam a faixa em uma experiência catártica, culminando em um solo de guitarra poderoso que só intensifica sua grandiosidade. É o tipo de releitura que não só honra a versão original, mas a supera em todos os sentidos. Composição belíssima.

Histórias tecidas com maestria

Cada faixa de The Obsession parece ter sido desenhada para contar uma história própria. "The Crying Room" combina melancolia gótica com explosões de intensidade que lembram o auge de Delain, enquanto "Praise" surpreende com suas harmonias gospel e uma energia quase contagiante. Por outro lado, "The Exorcism" mergulha no peso e na teatralidade, com arranjos intrincados e uma performance vocal que é, ao mesmo tempo, feroz e vulnerável.

Vídeo de "The Exorcism":

Ainda destacando as participações especiais, há também "Ode to the West Wind", com Alissa White-Gluz em outro grande momento.

Veja o vídeo para "Ode To The West Wind":

Crescimento pessoal e artístico

Charlotte Wessels floresceu artisticamente após sua saída de Delain, e The Obsession é a prova definitiva de sua capacidade de se reinventar. A colaboração com Timo Somers é uma adição vital, trazendo guitarras que oscilam entre agressividade e melodia, enquanto Vikram Shankar e Elianne Anemaat adicionam texturas instrumentais que elevam o álbum a um nível quase orquestral.

The Obsession não é apenas um marco na carreira de Charlotte Wessels; é um testemunho de sua resiliência e do poder transformador da música. Em um álbum que equilibra peso, melodia e lirismo com maestria, ela reafirma seu lugar como uma das artistas mais versáteis e inovadoras da atualidade. Para fãs de metal sinfônico e além, este é um álbum que não pode passar despercebido.

NOTA: 9/10

Faixas:

1. Chasing Sunsets - 4:16
2. Dopamine - 3:36
3. The Exorcism - 4:49
4. Soulstice   3:03
5. The Crying Room - 5:16
6. Ode To The West Wind - 4:21
7. Serpentine - 4:17
8. Praise - 4:13
9. All You Are - 5:00
10. Vigor And Valor - 3:16
11. Breathe; - 1:12
12, Soft Revolution (2024) - 6:53

Gêneros: Symphonic Metal, Pop Rock, Rock Alternativo

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

Sarah Shook & The Disarmers - Revelations (2024)

                              

Sarah Shook & The Disarmers é uma banda americana de alt-country que se destaca por uma sonoridade que mistura o tradicional e o moderno de uma forma muito particular. Liderada por Sarah Shook, a banda é conhecida por suas letras sinceras e emotivas, que frequentemente abordam temas como relacionamentos complicados, luta pessoal e a busca pela independência. Sarah formou a The Disarmers em 2015, após o lançamento do seu álbum solo Sidelong, também de 2015. A banda inicialmente incluía Eric Peterson na guitarra, Aaron Oliva no baixo, Phil Sullivan na steel guitar e Kevin McClain na bateria. 

Musicalmente, combina elementos do country tradicional com influências de punk rock, criando um som distinto e enérgico. Essa fusão pode parecer inusitada à primeira vista, mas resulta em uma música vibrante e cheia de atitude, fazendo com que o seu som se destaque na cena musical justamente por essa habilidade de mesclar o velho e o novo, além de o tradicional e o rebelde, criando um espaço único dentro do alt-country.

Revelations é o quarto disco da banda e foi concebido para aqueles que buscam uma experiência mais vibrante e elétrica na música country. Diferentemente das melodias mais introspectivas e melancólicas que muitas vezes dominam o gênero, especialmente nas vozes de outras cantoras contemporâneas, este álbum oferece uma abordagem mais energética. As músicas são marcadas por guitarras elétricas e ritmos mais pulsantes, proporcionando uma alternativa refrescante às baladas acústicas típicas do gênero.

Vale salientar também, que o disco trouxe uma formação completamente nova, incluindo Sarah que passou a atender pelo nome de River – embora tenha mantido o nome da banda. Os músicos que a acompanham em Revelations são, Blake Tallent na guitarra – que já havia aparecido em Mighmare, disco anterior - Jack Foster na bateria, Andrew Lambie no baixo e Nick Larimore na steel guitar.

O disco inicia com a faixa-título, onde Shook parece abordar a ideia de uma luta contínua com problemas de saúde mental e frustração com as dificuldades da vida cotidiana, enquanto que musicalmente há uma combinação de melodias suaves e harmonias ricas muito bem trabalhadas. "You Don’t Get to Tell Me" apresenta um tema de autoafirmação e resistência, onde Shook expressa uma forte rejeição à ideia de que outras pessoas possam impor sentimentos ou verdades sobre ela. Possui um DNA muito mais calcado no rock, com influências sutis de música country.

"Motherfucker" entrega uma pegada country enérgica contagiante, com elementos característicos do gênero, como acordes marcantes e uma batida pulsante, além de letras fortes em que Shook faz uma declaração de revolta contra o abuso emocional e a manipulação em nome de alguém que está cansado de ser tratado como um brinquedo pelo abusador, estando determinado a enfrentá-lo.

"Dogbane" oferece um contraste intrigante entre a musicalidade e a temática abordada. Enquanto entrega algumas batidas bonitas e notas otimistas, a letra desenha um quadro vívido e poético do fim do mundo. "Nightingale" possui um ritmo mais lento e uma atmosfera melancólica, que deságua em rios blueseiros, criando um pano de fundo sonoro profundamente emotivo. A música contém uma narrativa poderosa sobre enfrentar desafios e continuar a avançar com determinação e orgulho.

"Backsliders" se destaca musicalmente por sua fluidez country excelente, caracterizada por ótimas linhas de guitarra e uma steel guitar charmosa que adiciona uma camada extra de autenticidade e nostalgia à peça. Já em termos líricos, a faixa aborda uma relação complexa e tumultuada, onde ambos os envolvidos têm dificuldade em se afastar um do outro. "Stone Door" também possui uma forte linha country clássica com linhas expressivas de guitarra. Aqui, Shook embarca em uma viagem de memórias intensas de um lugar significativo, sentimentos de liberdade e a ausência de uma pessoa especial durante esses momentos.

"Criminal" encerra o disco de uma maneira memorável, trazendo um toque de country no melhor estilo fora da lei e que estava faltando. É como se Shook mergulhasse profundamente em suas influências, homenageando nomes lendários como Merle Haggard e Johnny Cash, enquanto traz sua própria interpretação para o gênero. A música narra uma história envolvente, transmitindo uma sensação palpável de peso emocional, conflito interno e vulnerabilidade.

Revelations é um disco que se destaca por suas lindas composições, vocais cativantes e instrumentações muito bem desenvolvidas. Cada faixa é um testemunho do excelente trabalho de mixagem e produção, onde o detalhe sonoro é cuidadosamente lapidado para criar uma experiência auditiva rica e envolvente. Shook, mais uma vez, conduz o disco com uma maestria notável, mostrando uma direção clara e segura em cada uma de suas escolhas de caminho.

NOTA: 8/10

Gênero: Country Alternativo, Rock Alternativo

Faixas:

1. Revelations - 3:01
2. You Don't Get To Tell Me - 2:54
3. Motherfucker - 3:09
4. Dogbane - 3:45
5. Nightingale - 5:12
6. Backsliders - 3:45
7. Stone Door - 3:20
8. Jane Doe - 4:28
9. Give You All My Love - 4:06
10. Criminal - 3:39

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

Kyros - Mannequin (2024)

                              

Para iniciar esta resenha, é importante destacar que antes de se tornar Kyros, o projeto era conduzido pelo multi-instrumentista Adam Warne - que após sua transição em 2021, passou a se chamar Shelby Logan Warne. O projeto era conhecido como Synaesthesia, nome sob o qual foi lançado o primeiro álbum. Além de Shelby, o guitarrista Nikolas Jon Aarland também fazia parte do projeto. No entanto, a banda estava prestes a se transformar de um simples projeto solo em uma formação sólida, algo que de fato aconteceu. Embora Nikolas não tenha permanecido para a conclusão do álbum, sendo substituído por Ollie Hannifan, que gravou as guitarras restantes.

Mannequin é o quarto álbum da banda que optou por considerar o disco de estreia Synaesthesia como uma obra solo de Shelby, o que faz sentido dado que sua sonoridade difere bastante dos trabalhos subsequentes. Esse primeiro álbum marcou um recomeço, justificando até a mudança de nome.

Os músicos que participaram de Mannequin são Shelby Logan Warne (vocal e teclados), Joey Frevola (guitarra), Charlie Cawood (baixo) e Robin Johnson (bateria), com a participação especial de Dominique Gilbert nos vocais em "Illusions Inside" e Canyo Hearmichael no saxofone em "Esoterica". O álbum está repleto de ideias complexas, principalmente nas passagens progressivas, que dividem espaço com elementos de synth pop, art rock e rock alternativo. Em resumo, Mannequin é um disco que exige várias audições para ser totalmente desvendado, mas que também é acessível para diferentes públicos graças à sua mistura de estilos.

O álbum começa com "Taste the Day", uma faixa suave que combina violões e vocais sensíveis, acompanhados por teclados que criam uma atmosfera bucólica. É a faixa mais curta do disco. "Showtime" é  uma peça instrumental que  traz energia desde os primeiros segundos, com sintetizadores que abrem caminho para os demais instrumentos, conduzindo a música de forma dinâmica. Perto do final, há uma pausa antes de uma breve retomada com destaque para o baixo. "Illusions Inside" segue com ataques de bateria e sintetizadores que se fazem presentes ao longo de toda a faixa. A interação vocal entre Shelby e Dominique Gilbert é cativante, especialmente nos refrãos, que soa do tipo que parece convidar o ouvinte a cantar junto. As linhas de baixo são impressionantes e merecem ser ouvidas com bons fones de ouvido. "Esoterica" transporta o ouvinte para os anos 80, com seus sintetizadores e guitarras criando uma atmosfera divertida e dançante, mas também emotiva.

"The End in Mind" se destaca pelo seu interlúdio pesado, onde a seção rítmica brilha com uma performance sagaz, enquanto as guitarras e teclados criam paredes sonoras intensas. É uma faixa repleta de ondulações, que altera o humor do ouvinte várias vezes e que definitivamente se destaca como um dos melhores momentos do álbum. Após a intensidade de "The End in Mind", "Digital Fear" oferece um momento de recuperação, com uma delicadeza envolvente que poderia facilmente ser trilha sonora de um filme de ficção científica. A peça se desenvolve dentro de um tema sinfônico, atmosférico e quase psicodélico, graças principalmente ao trabalho de teclados e sintetizadores.

"Ghosts of You" retorna ao synth pop, mas com acenos progressivos. A cozinha se destaca mais uma vez, unindo-se ao teclado para criar uma sonoridade agradável e dançante, quase como um Jamiroquai mais pesado. "Liminal Space" segue com uma instrumentação cintilante e sonoridades eletrônicas, entregando uma harmonia synth-pop progressiva que a banda executa com maestria. "Technology Killed the Kids IV" é uma faixa que mostra claramente porque o rock progressivo é um dos gêneros associados à Kyros. Cheia de mudanças e variações, a peça é tão tempestuosa e explosiva que, próximo ao final, os fones parecem falhar - um truque brilhante da banda para criar uma cacofonia bem orquestrada e impetuosa.

O álbum encerra com "Have Hope", a faixa mais longa, com quase 8 minutos. É uma peça cheia de modulações, que combina linhas comuns com trechos de "desordem" musical. A guitarra é mais agressiva aqui, enquanto a seção rítmica se mantém consistente, e os teclados criam momentos sinfônicos, psicodélicos e acenos ao synth pop. Um final de álbum digno.

Mannequin é aquele tipo de disco que está sempre em constante evolução e explorando uma infinidade de direções. Contudo, a banda faz isso com uma simetria que evita que sejam vistos como músicos perdidos ou indecisos. Muito pelo contrário, essa montanha-russa de ideias resulta em um direcionamento musical sólido e bem característico. Com isso, Mannequin oferece material suficiente para entreter o ouvinte do início ao fim.

NOTA: 8/10

Gênero: Synth Pop, Art Rock, Rock Alternativo, Rock Progressivo

Faixas:

1. Taste the Day - 2:26
2. Showtime - 4:10
3. Illusions Inside - 5:09
4. Esoterica - 6:55
5. The End in Mind - 7:41
6. Digital Fear - 3:35
7. Ghosts of You - 5:02
8. Liminal Space - 4:39
9. Technology Killed the Kids IV - 7:26
10. Have Hope - 7:57

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

Hot Water Music - VOWS (2024)

                              

Hot Water Music foi formada na primeira metade dos anos 90 na cidade de Gainesville, Flórida, uma cidade conhecida por ter uma cena punk bastante forte. Seu som característico mistura punk rock, hardcore e elementos de post-hardcore, com a banda ganhando rapidamente reconhecimento por suas performances enérgicas que capturavam perfeitamente a essência da cena punk da cidade.

Apesar de menos celebrada do que merecia no Brasil – o que não quer dizer que a banda não tenha a sua legião de fãs que irão acompanha-los na edição de 2024 do Oxigênio Festival -, o grupo é amplamente respeitado por sua autenticidade e integridade musical, influenciando uma geração de bandas estadunidenses tanto dentro quanto fora do gênero, sendo muitas vezes elogiada pela sua destreza na arte de se equilibrar entre a agressividade e melodias emocionais, enquanto se mantem sempre coesa dentro de uma sonoridade poderosa.

VOWS, o disco mais novo da banda, traz aquele tipo de música para se ouvir de forma despretensiosa e simplesmente se divertir. O álbum captura a essência enérgica e autêntica característica do grupo, oferecendo faixas do começo ao fim que são ao mesmo tempo cativantes e acessíveis, soando como uma espécie de convite para o ouvinte se deixar levar pelos ritmos e melodias atrativos.

"Menace" é a peça que inicia o disco, apresenta algumas guitarras furiosas e vocais fortes durante os versos, criando um som bastante intenso, no entanto, tudo soa mais melodioso durante os refrãos. "Searching For Light" é o tipo de música que considero ser cheia de vitalidade, com uma energia contagiante que permeia cada nota. Os vocais, em particular, se destacam pela sua intensidade e emoção, especialmente durante os refrãos que parecem convidar o ouvinte a cantar alto e se envolver profundamente com a música.

"Burn Forever" é tocada com tanta energia e vigor que é difícil acreditar que estamos falando de músicos veteranos do punk rock. A faixa exibe uma energia e intensidade que podemos dizer que “rivalizam” com bandas muito mais jovens. "After The Impossible" possui uma cadencia mais amena e uma vibração menos agitada. Porém, nada disso compromete, apenas destaca uma faceta diferente do som do grupo, mostrando sua versatilidade e capacidade de explorar diferentes estilos musicais.

"Remnants" tem alguns bons grooves nos versos, proporcionando uma base rítmica sólida e cativante, enquanto que os refrãos mostram mais uma vez a enorme capacidade da banda em criar refrãos melódicos e viciantes. "Chewing on Broken Glass" é um punk rock clássico, direto e reto, que captura a essência crua e enérgica do gênero, soando com uma explosão de intensidade. "Fences" é uma faixa que combina a intensidade emocional do post-hardcore com melodias cativantes, criando uma experiência musical poderosa.

"Side of the Road" entrega uma variedade interessante entre punk e alguns – ainda que pequenos – acenos ao AOR, com isso, a faixa equilibra muito bem a energia crua e direta de um, com elementos mais melódicos e polidos do outro. "Wildfire" não chega a comprometer o álbum, mas entrega a parte menos atrativa do disco, pois embora seja sólida em termos de execução, ela carece de elementos que prendam a atenção do ouvinte. "Bury Us All" traz uma sonoridade edificante que combina elementos de intensidade emocional com uma sensação até mesmo de esperança, apesar do seu título de tom sinistro.

"Touch the Sun" traz o disco novamente para um território enérgico e vigoroso, destacando-se pela sua intensidade e ritmo acelerado que acontece por meio de riffs cativantes e eletrizantes de guitarra, além de uma seção rítmica de bateria pulsante e baixo robusto. "Much Love" é uma balada de post-hardcore que encerra o disco muito bem por meio do seu tom emocional. Uma peça cheia de profundidade e intensidade, oferecendo ao álbum um final introspectivo, criando uma atmosfera que é ao mesmo tempo íntima e expansiva.

Devido ao gênero, é fato que às vezes algumas músicas podem soar parecidas com outras, porém, essa familiaridade entre as faixas pode ser vista como uma característica inerente ao estilo, mas a banda consegue infundir cada música com sua própria energia e personalidade. A precisão instrumental e a paixão vocal, além da qualidade de produção, garantem que no fim das contas, cada uma de suas peças se destaque da sua maneira.

NOTA: 7/10

Gênero: Punk Rock, Post-Hardcore, Rock Alternativo

Faixas:

1. Menace - 3:25
2. Searching For Light - 2:56
3. Burn Forever - 3:00
4. After The Impossible - 4:10
5. Remnants - 3:24
6. Chewing On Broken Glass - 2:56
7. Fences - 3:57
8. Side Of The Road - 3:17
9. Wildfire - 3:38
10. Bury Us All - 3:55
11. Touch The Sun - 2:43
12. Much Love - 3:12

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube