House Of Lords - Full Tilt Overdrive (2024)

O House Of Lords retorna em grande estilo com Full Tilt Overdrive, seu décimo quarto álbum de estúdio, provando mais uma vez que a banda é sinônimo de consistência e qualidade no hard rock. Liderados pelo icônico vocalista e produtor James Christian, o grupo entrega um disco enérgico e impecavelmente produzido, repleto de faixas memoráveis que reafirmam seu status como uma das forças mais resilientes do gênero.

Desde sua estreia homônima em 1988, o House Of Lords consolidou uma base de fãs leal e uma reputação sólida como uma banda que combina melodia, poder e sofisticação. A formação atual conta com James Christian (vocais e baixo), o virtuoso guitarrista Jimi Bell, o tecladista e compositor Mark Mangold e o baterista Johan Koleberg. Juntos, esses músicos criaram um trabalho coeso e inspirado, dando continuidade ao legado da banda sem perder a relevância.

O disco abre com a intensa "Crowded Room", que dá o tom do álbum com sua pegada agressiva e riffs poderosos. Na sequência, "Bad Karma" se destaca como um single irresistível, com um refrão pegajoso e um solo espetacular de Jimi Bell. A faixa-título, "Full Tilt Overdrive", é uma explosão de energia, impulsionada por guitarras incendiárias e uma performance vocal de tirar o fôlego.

Outro momento marcante é "Taking The Fall", uma balada de estrutura impecável que remete ao estilo de bandas como Gotthard, com sua melodia envolvente e um toque emotivo que cativa instantaneamente. Já "Not The Enemy" combina peso e melodia de maneira brilhante, enquanto os teclados de Mangold adicionam uma profundidade única à faixa.

O álbum também se aventura em territórios menos convencionais com "You're Cursed", que começa com um clima cinematográfico antes de explodir em um hard rock vibrante, e "State of Emergency", que aborda temas sociais com uma combinação de letras impactantes e uma base instrumental poderosa. O encerramento épico fica por conta de "Castles High", uma faixa de quase 10 minutos que transporta o ouvinte para uma narrativa quase fantástica, culminando em um clímax musical memorável.

A produção cristalina, a cargo de James Christian e Mark Mangold, merece elogios. Cada instrumento encontra seu espaço na mixagem, permitindo que os detalhes das composições sejam apreciados. Os solos de guitarra de Jimi Bell, em especial, são um show à parte, demonstrando técnica e emoção em igual medida. E a voz de Christian é simplesmente perfeita para o som da banda.

Full Tilt Overdrive foi lançado no Brasil pela Shinigami Records, facilitando o acesso dos fãs brasileiros a este trabalho incrível. Para os amantes do hard rock, este é um álbum essencial que mantém viva a chama do House Of Lords e reforça sua posição como uma das grandes bandas do gênero. Indispensável!

NOTA: 9/10

Gênero: Hard Rock

Faixas:

1. Crowded Room (4:45)

2. Bad Karma (4:11)

3. Cry Of The Wicked (5:09)

4. Full Tilt Overdrive (4:57)

5. Taking The Fall (4:29)

6. You're Cursed (5:34)

7. Not The Enemy (4:09)

8. Don't Wanna Say Goodbye (4:01)

9. Still Believe (4:37)

10. State Of Emergency (4:47)

11. Castles High (9:25)

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e mídia física através da Shinigami Records.

Pearl Jam - Dark Matter (2024)

                        

Ao mencionar o Pearl Jame estou evocando o ponto de partida da minha relação profunda com o mundo do rock. Remonto a um momento marcante de 1992 quando me deparei com o videoclipe de Jeremy. Aquela narrativa visual culminando em um desfecho poderoso foi como uma revelação para mim, despertando um interesse imediato e visceral pelo grupo. Foi um momento crucial onde minha conexão com a música e a expressão artística atingiu um novo patamar.

Nos meses seguintes, fui cativado ainda mais pela presença do Pearl Jam quando a MTV exibiu a icônica performance de Porch no Pinkpop. A energia, paixão e a autenticidade da banda eram palpáveis e eu me vi totalmente absorvido pela experiência musical. Logo depois, o Unplugged MTV me ofereceu uma perspectiva mais íntima e crua da musicalidade do grupo, consolidando ainda mais minha admiração.

Dark Matter chega como o 12º disco de estúdio da banda – o que considero pouco para uma carreira discográfica de 33 anos. Mas de qualquer forma – e o mais importante de tudo -, eles parecem querer continuar soando relevantes ao entregar um disco cheio de dinamismo, frescor e de uma sonoridade que mantém sua música envolvente durante todos os seus cerca de 48 minutos divididos em 11 canções. Apenas um adento, se você é daquelas pessoas que até hoje evocam discos como Ten ou VS para comparar com álbuns mais recentes da banda, não sei o que o que você faz ouvindo-os ainda, agora se você compreende o que é o Pearl Jam hoje em dia, certamente Dark Matter vai atingi-lo da melhor forma possível.

"Scared Of Fear" abre o disco entregando uma vibração clássica da banda, vocais enérgicos, guitarras cativantes e uma seção rítmica sólida, precisa e sincronizada que sustenta o ritmo da faixa muito bem. "React, Respond" mantém o disco dentro de uma sonoridade de alta voltagem, com refrão chiclete e uma linha instrumental maciça. A faixa captura a energia crua da banda, combinando riffs intensos e ritmos pulsantes. "Wreckage" é uma balada que se destaca no álbum por seu estilo emocional e envolvente. Por meio de sua estrutura estilística a música parece prestar homenagem a Tom Petty ao incorporar elementos de sua abordagem distinta à composição e à performance.

"Dark Matter" é uma das peças mais pesadas do álbum. Seção rítmica penetrante, riffs encorpados de guitarra e um solo ao melhor estilo Mick McCready, um cara que nunca foi um “guitar hero”, porém, sempre entendeu bem o que é necessário pra soar marcante dentro da banda. "Won't Tell" é outra balada do álbum que embora não seja tão impactante quanto "Wreckage", ainda oferece uma experiência de qualidade. A faixa se destaca por sua batida constante e envolvente, proporcionando uma base sólida. É enriquecida com o acréscimo de alguns leves toques de sintetizadores.

"Upper Hand" possui uma introdução bastante atmosférica de mais de um minuto e meio feita por sintetizadores e guitarra até entregar mais uma peça em ritmo lento. Os floreios de guitarra solo são belíssimos e exemplificam exatamente o que eu disse na faixa anterior. "Waiting For Stevie" me fez sentir uma grande “vibração grunge” encontrada em discos – da banda ou não – da primeira metade dos aos 90. Talvez a produção mais polida possa atrapalhar um pouco essa percepção, mas basta se concentrar e perceber que o grunge clássico, digamos assim, está ali.

"Running" é outro dos momentos mais pesados do disco. Assim que começou foi impossível não lembrar de Rearviewmirror, clássica faixa do disco VS. Possui a melhor seção rítmica do álbum e alguns dos vocais mais raivosos. As guitarras como sempre soam perfeitas, tanto nos riffs quanto nos solos. "Something Special", após a “violência” da faixa anterior, tudo suaviza de novo por meio de uma peça em que Vedder faz um aceno para as suas filhas. Nota-se uma boa influência na música country moderna.

"Got To Give" é um daqueles velhos exemplos em que o básico pode funcionar muito bem, um rock and roll direto e objetivo que apresenta uma abordagem clássica que é ao mesmo tempo empolgante e envolvente. O acréscimo de algumas linhas de piano encaixou muito bem. "Setting Sun" é a faixa de encerramento. Novamente há uma boa vibração country e entrega um fechar de cortinas extremamente aconchegante para o disco.

Dark Matter apresenta um Pearl Jam confiante e com uma sonoridade totalmente própria e característica. A banda demonstra que embora valorize suas raízes e tenha respeito por sua história, não deixa de buscar novas perspectivas em sua arte. No mais novo capítulo de sua história, a banda entrega uma celebração da sua identidade e que tem a capacidade ressoar positivamente tanto nos fãs de longa data, quanto com novas gerações de ouvintes.

NOTA: 7,2/10

Gênero: Rock Alternativo, Hard Rock

Faixas:

1. Scared of Fear – 4:24
2. React, Respond – 3:30
3. Wreckage – 5:00
4. Dark Matter – 3:31
5. Won't Tell – 3:28
6. Upper Hand – 5:57
7. Waiting for Stevie – 5:41
8. Running – 2:19
9. Something Special – 4:06
10. Got to Give – 4:37
11. Setting Sun – 5:43

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

50 anos de: Toys In the Attic - Aerosmith (1975)

                         

Combinando um som cru e energético com um maior requinte em suas composições o terceiro álbum de estúdio do Aerosmith é um marco não apenas na carreira do grupo, mas também na história do rock. Toys In the Attic representou um salto significativo para a banda tanto em termos de sucesso comercial, quanto artístico ao desempenhar um papel importante na consolidação do Aerosmith como uma das maiores forças do rock durante os anos 1970.

Na época do lançamento, o grupo vivia uma transição tanto em termos de sua posição na indústria musical, quanto em suas dinâmicas internas. Apesar de a banda não ter passado despercebida nos dois primeiros discos, principalmente devido ao relativo sucesso alcançado por “Dream On” do seu disco de estreia, seu sucesso foi discreto e os músicos se sentiam incomodados pelo rótulo de “apenas mais uma banda de blues rock" que os críticos e o próprio público haviam lhes colocado, afinal, isso ajudava para que eles figurassem apenas na sombra de bandas já muito bem estabelecidas como Led Zeppelin e Rolling Stones. 

O ambiente em que o álbum foi concebido pode ser definido como uma mistura de pressão, ambição e um espírito criativo em efervescência. A banda se arriscou mais e explorou novos territórios sonoros, o que obviamente elevou a sofisticação de suas composições ao mesmo tempo em que manteve a energia bruta que os caracterizava. O grupo trabalhou incansavelmente para transformar ideias cruas em músicas que fossem ao mesmo tempo acessíveis e ousadas. 

Vale destacar também a presença de Jack Douglas como produtor, afinal, foi um fator essencial para o sucesso do álbum. Ele já havia trabalhado com a banda em Get Your Wings, porém, foi em Toys in the Attic que sua parceria com o Aerosmith atingiu seu auge. Douglas atuava quase como um sexto membro da banda e conseguiu extrair o melhor de cada integrante ao traduzir sua energia caótica em gravações que ainda pareciam espontâneas e vivas. Ao mesmo tempo ele sabia quando desafiar a banda a ajudando a expandir suas fronteiras musicais e incorporar influências externas, como, o funk, de uma maneira que soasse natural.

A faixa-título, que abre o álbum por meio de uma explosão de energia pura, estabelece o tom para tudo que vem a seguir. Desde o primeiro riff frenético a música mergulha o ouvinte em um turbilhão de intensidade e atitude e deixa claro que desta vez o Aerosmith estava ali para marcar território. Essa base instrumental se entrelaça de uma maneira perfeitamente harmônica com os vocais de Tyler que soam cheios de força e irreverência. 

“Uncle Salty” é uma faixa que adota um ritmo mais lento e introspectivo, sendo marcada por um groove pesado e uma atmosfera mais sombria. A linha de baixo é um dos destaques ao estabelecer o tom da canção. O riff de guitarra é bastante simples e mesmo assim memorável. Os vocais de Tyler reforçado por harmonias bem trabalhadas adicionam profundidade e emoção. Sem dúvida é uma peça que evidencia o lado mais reflexivo do Aerosmith. 

“Adam’s Apple” é uma faixa que mistura o rock clássico com uma vibração funky, o que resulta em uma composição cheia de energia e descontração. O riff principal possui um groove natural que prende o ouvinte. Embora as guitarras tragam um toque de blues característico, a estrutura ágil da música confere a ela um dinamismo que a mantém envolvente. Joe Perry brilha ao adicionar licks melódicos e um solo cheio de slides e bends. 

“Walk This Way”, seu riff principal se tornou um dos mais reconhecíveis e icônicos da história do rock. Possui uma combinação de elementos de funk e blues com uma estrutura rítmica precisa e técnica. O riff traz uma energia contagiante que imediatamente prende a atenção do ouvinte, mas que ganha mais força com uma seção rítmica sólida. É a definição de uma faixa que consegue mesclar técnica e vibração com todos da banda trabalhando juntos para criar uma sonoridade que é precisa e cheia de alma. 

“Big Ten Inch Record” é um tributo carismático ao blues e ao jump blues das décadas de 1940 e 1950. Possui uma vibe mais leve e descontraída em comparação com outras músicas do álbum. O uso do saxofone é um elemento chave que confere à faixa uma textura jazzística e traz uma nuance de sofisticação ao disco. Interessante ver como a banda se permite explorar um lado mais lúdico e menos pesado, mas sem perder a autenticidade ou o charme que caracteriza o grupo.

“No More No More” é uma faixa que captura perfeitamente o espírito clássico do rock and roll. O riff principal com sua estrutura dinâmica alterna entre seções mais suaves nos versos e explosões de energia nos refrãos, criando assim, um contraste marcante. É uma prova do talento coletivo da banda ao mostrar uma habilidade impressionante para criar um som que é simultaneamente vigoroso e refinado. Minha música preferida do disco.

“Round and Round” é a faixa mais pesada do disco e contrasta intensamente com o restante do álbum. Desde o início a música se destaca por seu clima sombrio que remete ao Black Sabbath e que é estabelecido por riffs lentos e graves. A linha de baixo é pulsante e profunda, enquanto a bateria se desenvolve de forma arrastada, reforçando ainda mais a tonalidade densa e introspectiva da música. É um claro exemplo em que a banda quer mostrar sua capacidade de explorar territórios mais sombrios. 

“You See Me Crying” é a peça de encerramento, uma balada bastante dramática e que destaca o lado mais emocional da banda. É construída principalmente em torno de um piano expressivo de tom melancólico e introspectivo. Os arranjos orquestrais adicionam uma camada que enriquece ainda mais à música. As guitarras desempenham um papel mais sutil. Mas Tyler é quem rouba a cena por meio de uma performance visceral em que alcança notas altíssimas com uma carga emocional impressionante. Um belíssimo final de disco. 

Toys in the Attic não apenas solidificou o Aerosmith como uma das maiores bandas de rock da história, mas também definiu um momento crucial para o gênero ao elevar o hard rock a novos patamares. O álbum marcou um ponto de virada na carreira da banda e consolidou sua identidade musical provando sua capacidade de inovar dentro do cenário musical competitivo da época. O álbum também destacou a química entre Steven Tyler e Joe Perry, estabelecendo-os como uma das duplas mais icônicas e dinâmicas do rock. 

Musicalmente, Toys in the Attic é um álbum incrivelmente diversificado e que se destaca por explorar uma ampla gama de estilos como hard rock, blues, funk e até elementos de jazz, além da utilização da música orquestral. Essa fusão reflete não apenas a habilidade técnica da banda, mas também sua disposição de experimentar e expandir os limites do rock tradicional, com cada uma das faixas do disco apresentando nuances únicas por meio das guitarras marcantes de Perry, os vocais poderosos e emocionais de Tyler e a sólida seção rítmica formada pelo baixo de Tom Hamilton e a bateria de Joey Kramer, que trabalham em harmonia para capturar a energia crua e autêntica da grupo em um álbum que encapsula o espírito de uma era enquanto permanece eternamente relevante.

NOTA: 10/10

Gênero: Hard Rock

Faixas:

1. Toys in the Attic - 3:05

2. Uncle Salty - 4:08

3. Adam's Apple - 4:34

4. Walk This Way - 3:39

5. Big Ten Inch Record - 2:10

6. Sweet Emotion - 4:34

7. No More No More - 4:35

8. Round and Round - 5:02

9. You See Me Crying - 5:12

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

Deep Purple - = 1

                               

Quando o assunto é Deep Purple, não é necessário escrever muito para começar a falar sobre o seu disco mais novo. Afinal, estamos falando de uma das bandas mais influentes da história do hard rock. Desde sua formação em 1968, a banda tem sido um pilar do rock, influenciando gerações de músicos e fãs com seu som potente. A simples menção ao nome da banda evoca uma história riquíssima de músicas impactantes e performances eletrizantes, preparando o terreno para mais uma adição significativa ao seu repertório já muito vasto.

Após sua entrada na banda substituindo Steve Morse em 2022, Simon McBride mostrou que aprimorou suas habilidades de hard rock com influências de blues em bandas como Snakecharmer e Sweet Savage, estreando em estúdio com o Purple em = 1. Enquanto isso, os demais integrantes já estão sólidos na formação da banda desde o início do século XXI, sendo três membros da MK II, Gilan, Glover e Paice, considerada a formação mais poderosa que o grupo já teve, além de Don Airey e os seus trabalhos enérgicos de teclas.

Sobre o disco, não acredito que a essa altura do campeonato, exista alguém que queira cobrar algo da banda usando como espelho seus discos mais clássicos como In Rock, Machine Head ou Burn. Deep Purple já provou seu valor incontestável e deixou um legado que pouquíssimos deixaram no hard rock e no heavy metal. Os álbuns mencionados são pilares do gênero, imortalizados na história da música, e compará-los com qualquer novo álbum lançado pelo grupo seria uma tarefa ingrata e injusta.

O que temos aqui são músicos veteranos que, mesmo que não com o mesmo fervor da juventude, ainda mostram uma capacidade admirável de produzir música de qualidade. Portanto, em vez de tentar replicar a energia bruta e a inovação de seus primeiros anos, o Deep Purple opta por uma abordagem mais despretensiosa, focando em criar um hard rock agradável e atraente que ainda tem total capacidade de encantar e entreter.

O disco começa de com "Show Me" e a sua excelente interação entre teclas e guitarra sobre uma seção rítmica poderosa, soando como quem deseja mostrar um lembrete de que Deep Purple ainda tem muito a oferecer, misturando a magia do passado com a criatividade do presente. "A Bit on the Side" mantém o disco dentro de uma sonoridade pulsante, continuando a energia vibrante estabelecida pela faixa de abertura. A peça mantém o ímpeto do álbum, reforçando a energia e a vitalidade que a banda ainda possui.

"Sharp Shooter," é uma faixa que se destaca em seus primeiros segundos pelo seu riff enérgico de guitarra, sendo ele potente e cativante. As teclas entregam notas vibrantes por meio do órgão e um excelente solo de sintetizador, enquanto que a seção rítmica é sólida como uma rocha e trabalha como a espinha dorsal da faixa. "Portable Door" possui uma cadência bastante otimista e poderia facilmente ter sido extraída do disco Perfect Stranger,. A estrutura rítmica com sua fluidez e groove envolvente faz com que a peça seja imediatamente acessível e agradável.

"Old-Fangled Thing" é mais uma faixa de hard rock clássico que faz com que o ouvinte viaje ao passado do grupo. Com sua sonoridade nostálgica e vigorosa, a música captura a essência do que fez do Deep Purple uma das bandas mais icônicas do gênero. "If I Were You" é uma faixa que agradará os fãs daquela linha blueseira, por exemplo, de "When A Blind Man Cries". A música se destaca pela sua melodia envolvente e atmosfera introspectiva, evocando o estilo emocional e melancólico que a banda executa tão bem. Possui um solo lindíssimo de guitarra.

"Pictures of You", apresentando uma estrutura e uma melodia que são imediatamente acessíveis e cativantes, a faixa possui uma sonoridade que a torna potencialmente popular, mantendo ao mesmo tempo a essência da banda. "I'm Saying Nothing" é um hard rock clássico que captura a característica sonora vibrante e energética da banda. A seção rítmica com seu groove pulsante, fornece a base sólida para que as teclas de Airey e as cordas de McBride possam brilhar da melhor maneira possível.

"Lazy Sod" faz com que o ouvinte relembre alguns dos momentos mais bem cadenciados do disco Machine Head, evocando a mesma sensação de groove e fluidez que caracterizou clássicos como "Lazy" e "Space Truckin", proporcionando desta forma, uma viagem nostálgica aos seus fãs de longa data. "Now You’re Talkin" também traz à lembrança o clássico Machine Head, principalmente por meio de suas ótimas invertidas de guitarra e teclado, onde ambas são executadas com precisão e criatividade por cima de linhas firmes de uma bateria enérgica.

"No Money to Burn" é um excelente exemplo de hard rock de atmosfera poderosa e cativante que combina o frescor da modernidade com a alma do Purple. Traz a clássica combinação de riffs energéticos de guitarra, seção rítmica sólida e vocais afiados. "I’ll Catch You" é uma balada com espírito blueseiro que se destaca pela profundidade emocional e pela sofisticação musical, sendo marcada principalmente pela voz expressiva de Ian Gillan e pelo belíssimo trabalho de guitarra de McBride. "Bleding Obvious" encerra o disco com influências notáveis de rock progressivo, oferecendo um final impressionante e sofisticado para o álbum. Uma excelente conclusão para o álbum, mostrando a capacidade da banda de explorar novas direções e expandir seu som enquanto mantém sua identidade.

Ao ouvirmos = 1, não estamos diante de uma banda preguiçosa criativamente ou que não sabe a hora de parar. Em vez disso, ouvimos um disco de hard rock que demonstra que a chama do Purple ainda está claramente acesa, ilustrando sua capacidade de evoluir e continuar a criar músicas relevantes e impactantes, onde mesmo após anos de carreira, o grupo permanece comprometido com a entrega de peças de qualidade.

NOTA: 7,5/10

Gênero: Hard Rock

Faixas:

1. Show Me - 4:00
2. A Bit on the Side - 4:11
3. Sharp Shooter - 3:45
4. Portable Door - 3:49
5. Old-Fangled Thing - 4:09
6. If I Were You - 4:43
7. Pictures of You - 3:52
8. I'm Saying Nothin' - 3:29
9. Lazy Sod - 3:41
10. Now You're Talkin' - 4:06
11. No Money to Burn - 3:22
12. I'll Catch You - 3:21
13. Bleeding Obvious - 5:51

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube

The Effect - The Effect (2024)

O álbum The Effect, homônimo da banda formada por Trev Lukather, Nic Collins, Emmett Stang e Steve Maggiora, é um marco no rock moderno, reunindo musicalidade impecável, heranças icônicas e uma energia irresistível. Com composições memoráveis, performances intensas e um cuidado excepcional na produção, este trabalho consolida a banda como uma das mais promissoras da cena atual.

"Toxic Envy" abre o disco com um potencial explosivo.

Desde o primeiro acorde de "Toxic Envy", a abertura do disco, fica evidente o potencial explosivo da banda. Nic Collins, com sua precisão rítmica herdada e aprimorada nos palcos com Phil Collins e mais recentemente com o Genesis, imprime uma força única às músicas. Seus grooves vibrantes são o alicerce perfeito para os riffs eletrizantes de Trev Lukather, que entrega solos impecáveis e arranjos marcantes, reafirmando sua reputação como um guitarrista e produtor excepcional. Papai Luke certamente deve ter ficado orgulhoso.

Emmett Stang é o coração vocal da banda.

Emmett Stang traz uma versatilidade impressionante que transita entre momentos de potência crua e melodias suaves. Seu timbre remanescente de Sammy Hagar adiciona uma camada nostálgica ao som contemporâneo da banda. Faixas como "Sadistic Love" e "High Life" mostram sua habilidade em transmitir emoção e energia, enquanto o refrão de "Unwanted" gruda na mente como um verdadeiro hino de estádio.

Uma homenagem ao legado do Journey, com um toque transcendental.

Outro destaque do álbum é a ousada reinterpretação de "It Could Have Been You", do Journey. A faixa conta com backing vocals de ninguém menos que Steve Perry, elevando a música a um nível quase transcendental. A combinação dos vocais de Stang com Perry cria um momento mágico que celebra tanto o passado quanto o futuro do rock.

Produção impecável que equilibra peso e sutileza.

A produção do álbum, liderada por Trev Lukather, é de altíssimo nível. Os arranjos são densos e modernos, equilibrando o peso das guitarras com a sutileza dos teclados de Steve Maggiora, que adicionam nuances atmosféricas e reforçam os coros de maneira sublime. A influência de ícones do AOR dos anos 80 é evidente, mas a banda consegue dar um toque atual e acessível, conectando-se com públicos de todas as gerações.

The Effect: mais do que música, uma experiência.

O álbum The Effect é uma celebração de talento e paixão pela música, resultado de anos de experiência individual e uma química natural entre os integrantes. É mais do que um simples projeto; é uma afirmação de que o rock, em suas várias formas, continua vivo e relevante. Com músicas cativantes e performances impecáveis, The Effect estabelece um novo padrão para o rock moderno. Certamente, era para ser apenas o início de uma jornada brilhante para a banda. Sim, "era"...

Um fim precoce para uma banda promissora.

Em novembro último, Trevor Lukather e Nic Collins anunciaram a dissolução da banda. Nic mencionou em suas redes sociais que o projeto foi gratificante, mas que agora busca explorar novos caminhos e projetos futuros. Apesar disso, expressou gratidão aos fãs e aos colegas de banda, desejando-lhes sucesso em suas trajetórias. A separação reflete as dificuldades de manter uma banda junta por muito tempo nos dias de hoje, mas também abre espaço para novas possibilidades no cenário musical de cada membro. Vamos ver o que o futuro trará.

Ouça e aprecie "The Effect", um marco no rock moderno que une herança e inovação.

NOTA: 9/10

Gêneros: Rock, Pop Rock, Hard Rock

Faixas:

1. Toxic Envy - 4:01

2. Unwanted - 3:22
3. TIND - 3:50
4. World Between Us - 4:10
5. Sadistic Love - 3:47
6. High Life - 4:09
7. Could have Been You (feat. Steve Perry) - 4:18
8. Sight Unseen - 4:09
9. Hero On Collision - 3:38

10. Something Wrong - 4:02
11. Still In It - 4:01

Onde ouvir: Plataformas de Streaming

Magnum - Here Comes The Rain (2024)

                             

Magnum é uma banda inglesa de hard rock que eu sempre achei bastante subestimada, pois ainda que em seus mais de duas dezenas de discos, nunca tenha lançado uma obra-prima, sempre entregou discos muito bons e acessíveis até para aqueles que não são muito chegado no gênero, pois eles também carregam uma clara atmosfera AOR, principalmente por conta da maioria dos seus refrãos, que considero impossível de ouvir e depois não se pegar cantarolando alguns deles mesmo sem perceber. Se existem alguns álbuns que foram feitos para serem apreciados de uma maneira despretensiosa, com certeza, Here Comes the Rain é um deles, não cobre ou espere tanto, apenas deixe as músicas fluírem e aproveite.

A banda foi fundada por Tony Clarkin (guitarra e único letrista) e Bob Catley (vocal), inclusive, são os únicos que estiveram em todos os álbuns da banda, porém, 5 dias antes do lançamento do disco, Clarkin faleceu pacificamente na sua casa devido a uma curta doença. Mas no mês anterior, a banda havia revelado que ele foi diagnosticado com uma rara doença na coluna, o que provocou o cancelamento da turnê da primavera de 2024. Além de Tony e Bob, o disco ainda conta com Rick Benton (teclados), Dennis Ward (baixo) e Lee Morris (bateria) para que seja criado uma coleção de peças sólidas, por meio de habilidades melódicas cativantes e instrumentações muito boas.

Dificilmente a banda vai seguir sem Clarkin, com isso e mesmo que não fosse a ideia inicial, Here Comes The Rain provavelmente será o epitáfio da banda, um último ato para que o guitarrista fizesse o que ele mais gostava na vida segundo palavras dele mesmo e que foram ditas antes do lançamento de Here Comes The Rain, No final das contas, não há nada mais satisfatório para um músico do que criar novas músicas que você realmente goste. Um fechar de cortinas digno e autêntico, assim como a banda sempre foi durante os seus 50 anos de carreira.

“Run into the Shadows” inicia o disco de uma forma que é impossível ser mais edificante, tem um excelente trabalho de guitarra, cozinha sólida e teclados muito bem harmoniosos, enquanto que os vocais de Bob entregam aquela vibração AOR característica de sempre. Uma pena não haver mais uma turnê, pois essa música certamente seria usada - brilhantemente - para abrir os concertos da banda. “Here Comes the Rain” esfria o álbum - não no sentido pejorativo, apenas é diferente da incendiária peça de abertura - por meio de uma batida mais leve, ótima linha de guitarra, teclado emulando cordas ao fundo e linhas adequadas de baixo.

“Some Kind of Treachery” é uma balada que pode soar até meio piegas, mas não vou deixar de admitir que apesar disso, atingiu em cheio o meu coração. Começa com algumas notas de piano antes de baixo e bateria ir lhe fazer companhia, então entra o refrão com a banda completa e eu me vejo em um show do grupo balançando as mãos com a lanterna do celular ligada - em outros tempos seria o meu isqueiro. Falando em refrão, com certeza é o destaque da peça, bastante forte e emocional, porém, vale mencionar também os teclados quase orquestrais mais perto do fim.

“After the Silence” começa por meio de um string que vai emergindo para em seguida toda a banda entrar, construindo uma melodia forte, então silencia para que os primeiros versos sejam cantados. Os momentos dos refrãos são os mais enérgicos, nesse momento, o teclado é quem mais se destaca. A faixa vai seguindo basicamente nessa mesma dinâmica - mas com os vocais ficando cada vez mais desenvoltos. 

“Blue Tango”, se eu tivesse que escolher alguma música em Here Comes The Rain para dizer qual a que mais representa o que a Magnum foi durante toda a sua carreira, com certeza seria essa. Mas apesar disso, é impossível não perceber alguns acenos ao southern rock moderno - talvez algo de Lynyrd Skynyrd pós acidente. O solo de órgão, apesar de bem curtinho, deixa a sua marca na peça, assim como o de guitarra que encerra a faixa.

“The Day He Lied!” possui um caráter sombrio que eu gosto bastante, excelentes linhas de guitarra, seção rítmica maciça e teclados que a preenchem por todos os lados, dando à peça uma espécie de ar épico. Uma pausa para algumas notas de piano para então regressar ao tema central foi uma ótima ideia. Por último, mas não menos importantes, os vocais soam com uma emoção verdadeira. “The Seventh Darkness”, logo em seus primeiros segundos a banda já surpreende com o uso de metais, cortesia das participações especiais de Chris 'BeeBe' Aldridge (saxofone) e Nick Dewhurst (trompete). Ainda sobre os metais, eles me lembram um pouco os usados em “Colours” do Phil Collins a partir do seu segundo terço de música. A guitarra é bastante densa e a cozinha é sólida, enquanto que os teclados de certa forma são mais apagados, já que o saxofone e trompete “roubaram” o seu lugar. Se tornou uma das minha músicas favoritas de todo o longo catálogo da banda.

“Broken City”, além de novamente haver uma entrega instrumental muito boa, acho justo mencionar a performance vocal que é a melhor de todo álbum. Inicia com algumas batidas que parecem vir de longe antes que teclados e vocais façam um duo que logo em seguida ganha a companhia do violão, enquanto isso, as notas de baixo são bem discretas e a bateria inexiste. “I Wanna Live”, começa por meio de algumas bonitas notas de piano, mas aos pouco, vai ganhando força até explodir com a entrada da bateria. Aqui a banda entrega aquele seu tipo de som característico, principalmente no refrão que tem o cheiro dos anos 80. Muito melódica, possui um excelente solo de guitarra e outro de teclado - que embora seja bem simples é muito adequado para a música.

“Borderline”, com os seus mais de 6 minutos é a maior música do disco e também a que o encerra. Não sei exatamente se foi intencional, mas essa peça combina não apenas com o final do álbum, mas serve também como um final de história - que imagino que vai acontecer - para a banda. Primeiramente, ela entrega algumas vocalizações influenciada pela música do oriente, mas depois tudo se direciona para um hard rock de batida média. Os vocais soam intensos, as linhas de guitarra - seja base ou solo - são muito boas, assim como as invertidas de teclado que ecoam por todas as paredes da faixa, enquanto que baixo e bateria constroem uma cozinha sólida. Tudo isso, unido ao piano extremamente elegante e que direciona o álbum para o seu final, faz com que Here Comes The Rain termine de forma melancólica, como quem de alguma forma que expor a tristeza de uma perda - embora Clarkin, obviamente, não tivesse morrido ainda durante a composição dela.

Infelizmente, a banda nunca teve o seu reconhecimento e valorização condizente com a oferta de bons discos que eles produziram durante os seus 50 anos de carreira. Para se ter uma ideia, eu dentro do meu anonimato possuo no meu Instagram basicamente o mesmo número de seguidores que a banda. Mas ainda bem que vivemos em uma época que a internet possibilita que justiça seja feita por aqueles que querem fazer justiça - mesmo que tardiamente -, pois todos os discos do grupo - de estúdio e ao vivo - estão em todas as plataformas de streaming, só chegar lá e maratonar todos eles. Resumindo, embora Here Comes The Rain não entregue nenhuma inovação ou qualquer tipo de surpresa - exceto pelo uso de metais em “The Seventh Darkness” -, novamente a banda mostra com muita competência em suas habilidades composicionais, bom gosto para melodias e consistência em todas as 10 faixas do álbum.

NOTA: 7,5/10

Gênero: Hard Rock

Faixas:

1. Run into the Shadows - 5:22

2. Here Comes the Rain - 4:37

3. Some Kind of Treachery - 4:32

4. After the Silence - 4:35

5. Blue Tango - 5:26

6. The Day He Lied - 4:35

7. The Seventh Darkness - 4:44

8. Broken City - 4:40

9. I Wanna Live - 5:29

10. Borderline - 6:16

Onde Ouvir: Plataformas de Streaming e Youtube